Nesta peça, o dramaturgo norte-americano John Logan desembrulha rico e amplo espaço para uma poderosa reflexão sobre o papel do artista na sociedade, o significado da arte, as razões para criá-la e sua função no mundo. O pintor Mark Rothko (1903-1970), um dos nomes mais expressivos nas artes plásticas do pós-guerra, está em crise. Trata-se de um homem criativo mergulhado em absoluta angústia, com sérias dificuldades de lidar com o paradoxo de ter que agradar consumidores fúteis que podem comprar o seu trabalho. Ele discursa sobre a guerra entre arte e comércio e de como a cultura se transformou em mero entretenimento. Em sua maneira de enxergar as coisas, a arte deve ser séria ou está condenada a não merecer existir.

Assinada por Jorge Takla e estrelada por Antonio Fagundes e Bruno Fagundes, pai e filho na vida real, a vigorosa montagem dá vida a esse debate acalorado. Tudo é muito intenso, emocionante e envolvente neste texto, que extrapola os limites da discussão sobre a natureza rebelde do processo artístico e a aflição de quem busca a perfeição no ofício para alavancar observações instigantes sobre a vida e a morte. A trama é ambientada no final dos anos 1950, no ateliê de Rothko, artista nascido na Rússia e naturalizado americano, que se tornou estrela do expressionismo abstrato, ao lado de Jackson Pollock e Willem de Kooning. O espectador acompanha o relacionamento dele, em um momento em que já começa a perder o tônus de influência, com o jovem aspirante a pintor Ken. Mediante um cachê milionário, ele está produzindo uma série de murais para enfeitar as paredes do novo e elegante restaurante do Four Seasons, instalado na cobertura do edifício de um arquiteto renomado. Da mesma forma que o aluno vai invadir o espaço do mestre, este está prestes a coabitar o ambiente dos endinheirados. 

O grande trunfo do espetáculo é que o conteúdo estético, conceitual e filosófico levado a cabo pelos personagens não se perde em verborragia chata. Concomitante às discussões sobre a história da arte e suas implicações, aflora uma sedutora disputa verbal entre mestre e aprendiz e seus pontos-de-vistas e concepções acerca da arte e da vida. Um duelo entre dois homens, pontuado por músicas clássicas e respeito reverente, mesmo nos instantes mais loquazes. Rothko não é um artista fácil de se relacionar e Ken se dá conta disso. Logo de cara ouve do mestre que hoje em dia todo mundo gosta de tudo e que vivemos sob a tirania do bem, num mundo sem discernimento. Da mesma forma, é informado de que a pintura que ele cria é para a posteridade e não pela fama ou fortuna. "Eu estou aqui para fazer você pensar, não para pintar quadros bonitos", avisa, mesmo insistindo não ser professor – obcecado pelo significado de formas e matizes, quer ensinar o pupilo a olhar a arte não como um borrão na tela, mas como um desfile de emoções. Culto, influenciado pela obra de Nietzsche, Rothko passeia por Sócrates a Shakespeare, Freud a Yung e ataca, com raciocínio afiado, a cultura pop do dia, desancando, por exemplo, o trompetista e cantor de jazz Chet Baker e o pintor iconoclasta Andy Warhol. Ambos, sustenta, carecem de profundidade e substância. A montagem oferece diálogos fortes e cenas pungentes. Em uma delas, os protagonistas pintam a mesma tela como se compusessem uma sinfonia, em um momento delicado de entrelaçamento. Em outra sequência, poeticamente dilacerante, Rothko vocifera a sua visão dos murais pendurados no Four Seasons, quando teme o rebaixamento de seu trabalho a mero papel decorativo, em vez de significar veículo para a transformação. Afinal, suas pinturas estarão emoldurando um lugar de negócios, com executivos engravatados mais interessados em refeições e transações do que vermelhos e pretos.

A direção de Takla é sutil e inteligente o suficiente para não criar ruídos desnecessários.  Ele desenha uma encenação que ajuda a manter as idéias em movimento e o fluxo da ação, ocupando o tempo ocioso entre as conversas dos personagens com uma série de mudanças efetuadas no palco pelos atores – telas descem e sobem e a mesa de trabalho se desloca de um ponto a outro, por exemplo. Tais momentos de silêncio funcionam não só de contemplação como alívio para as disputas verbais que ocorrem. A minuciosa  iluminação, de Ney Bonfante, tem ares de partitura porque rege o discurso de Rothko sobre a importância da luz para não quebrar o feitiço da obra e deixá-la radiante e viva.  Apesar do peso do texto, a leveza do espetáculo garante o interesse do público até o último minuto. Mesmo o clichê do artista atormentado, em crise com suas criações, tão comum no cinema, literatura, teatro e nas artes plásticas, é contornado satisfatoriamente pelo diretor, que mantém o foco no universo rico e pulsante da pintura.

Com visível química no palco, ambos os atores destravam desempenhos apaixonados, até nas pequenas ações, como misturar a tinta, preparar a tela, debater a luz ideal para realçar um quadro. Antonio Fagundes preenche de energia e vitalidade um personagem arrogante, vaidoso e brilhante, que caminha exalando mau humor e agressividade criativa. Seu Rothko é uma figura que cativa mesmo suando reclamações pelos poros e lascando suas obsessivas percepções sobre a vida e a arte. Ele o impregna com a ansiedade de um homem com medo de que o seu lugar no mundo da pintura esteja  por um fio. Bruno Fagundes, intérprete em processo de maturação, aproveita a ainda pouca experiência teatral a favor da composição de Ken, injetando humanidade ao assistente que luta para se tornar um pintor de vida própria. O ator faz o personagem evoluir da condição de aluno curioso para o artista que descobre a sua sensibilidade artística e adquire consciência de seu papel no jogo, chegando a desafiar a visão artística do mestre. Um dos momentos mais veementes é justamente quando ele mede forças com Rothko e defende apaixonadamente a sua forma de ver a arte. O texto de Logan evidencia o embate de duas gerações que brigam pelo significado e o propósito da arte. Escancara o dilema de todo criador que, para sobreviver em um mundo mercantilizado, muitas vezes precisa abdicar do compromisso estético e ideológico para encher o bolso. E põe em cena um artista que, fadado ao declínio, brada contra a irrupção da próxima caravana de artistas, também tão inquieta, provocadora e talentosa quanto ele.   

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )
(Foto João Caldas)

Avaliação: Ótimo

Vermelho

Texto: John Logan

Direção: Jorge Takla

Elenco: Antonio Fagundes e Bruno Fagundes

Estreou: 24/03/2012

Teatro Tuca (Rua Monte Alegre, 1024, Perdizes. Fone: 3670-8455). Sexta e sábado, 21h30; domingo, 18h. Ingresso: R$ 60 a R$ 80. Em cartaz até 04 de dezembro.

Numa fábrica, o operário não está acima das máquinas, mas abaixo delas. É uma espécie de refém. As engenhocas, que se servem dele, são feitas para turbinar o ritmo produtivo e não para auxiliá-lo a enfrentar uma tarefa. O labor deixa de ser uma luta pela sobrevivência para dar lugar ao propósito do lucro. Provocativo e objeto de acaloradas discussões ao longo dos tempos, o tema perpassa o surpreendente espetáculo construído a partir de textos da filósofa e escritora francesa Simone Weil (1909-1943). Durante dois anos, ela trabalhou como operária em uma fábrica com o intuito de examinar o cotidiano nesse ambiente. O registro diário da experiência resultou num instigante estudo sobre a opressão social e sua relação com a forma capitalista de organização do trabalho.

O conhecimento adquirido por essa mulher, que abdicou em 1935 e 1936 de sua confortável vida burguesa para vivenciar a empreitada a que se impôs, ganhou um sentido poético teatral ao ser transposto para o palco. Transformou-se em uma montagem que, sem resvalar no panfletário, superou a armadilha do denuncismo ou do melodrama fácil. Na pele dessa personagem singular, apaixonada por literatura, história e filosofia, Natalia Gonsales move-se pelo território cênico, povoado de verdadeiras máquinas de linha de produção moldadas para manejo apenas das mãos – assinado por Flávio Tolezani, o cenário exala a imagem forte de um ambiente claustrofóbico. Em meio aos seus afazeres, ela faz café, manipula um vaso de planta, escreve num diário.     

Em nenhum momento a encenação procura assumir o primeiro plano. A direção da própria atriz é discreta e eficaz, com respiros aqui e ali. Contorna sem maiores complicações os riscos de monotonia que costumam rondar os espetáculos solos. O texto desliza sempre interessante, as frases não saem do registro sereno e firme, as palavras soam veementes. Os conflitos emergem na sua essência, sem que seja preciso falsificá-los. A envolvente música composta por Daniel Maia, permeada por burburinhos, ruídos e batidas, contribui para pincelar o retrato de um rumoroso recinto fabril. A climática iluminação concebida por Igor Sane desenha a atmosfera fria e impessoal de um estabelecimento industrial.

Com sensibilidade e empenho, Natalia encontra a medida justa na hora de expressar sentimentos como fome, a passividade do funcionário diante da pressão dos superiores, a monotonia, o esgotamento físico advindo da atividade penosa e servil, o medo de lidar com máquinas perigosas, a angústia de constatar que chegar um minuto atrasado significa trabalhar uma hora sem salário. Uma dor de cabeça automaticamente se associa ao barulho diabólico de uma britadeira que chacoalha o trabalhador agarrado a ela. Um acidente na prensa e um dedo da mão é quase mutilado.

Natalia Gonsales chega a se confundir intencionalmente com Simone Weil, buscando uma analogia crível. Ambas, em escalas diferentes, viveram circunstâncias as quais a submissão hierárquica impõe um silêncio resignado – em seu trabalho no teatro, um ator muitas vezes precisa se despir de suas vaidades e aceitar, sem questionamentos, as ordens de um diretor. O drama da operária tem ecos de tragédia grega. Não por acaso, em determinada passagem, a intelectual francesa se espelha na figura mitológica de Antígona, em luta obstinada para enterrar o irmão morto, proibido de ser sepultado por um inquisidor Creonte – na vida real, ela foi fortemente influenciada pelo irmão, considerado um gênio da matemática. Na composição dessa mulher pertinaz, a atriz procura não se entregar ao virtuosismo estéril. Munida de recursos simples, ela desfaz qualquer tipo de efeito grandiloqüente, que concederia um aspecto superficial ao papel.   

Não realista, a montagem trata de temas urgentes e atuais. Em que pesem as mutações ocorridas no interior do sistema fabril, ainda subsistem fatores como a coerção constante para se alcançar uma pesada cadência produtiva, a ameaça subliminar de demissão caso não se cumpram metas cada vez mais utópicas, a fragmentação das atividades, a sensação de impotência e servilismo. Há muito uma fábrica funciona como um sistema absoluto, impermeável à efetiva participação do operário. A personagem chega a refletir que nesses locais a coação não resulta em rebelião, mas em obediência e apatia.

Uma cena simbólica exibe a força da peça, quando é relatado um encontro entre Simone Weil e a filósofa existencialista francesa Simone de Beauvoir (1908-1986), a quem admirava pela inteligência. Simone Weil defendia uma revolução que daria de comer a todo mundo. Simone de Beauvoir acreditava que o problema não era fazer a felicidade dos homens, mas encontrar um sentido para sua existência. “Vê-se bem que você nunca teve fome”, rebateu a primeira, instantes antes de vestir avental de operária.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Carla Trevizani)

Avaliação: Bom

A Última Dança

Dramaturgia: César Baptista, a partir de textos de Simone Weil

Atuação e Direção: Natalia Gonsales

Estreou: 13/06/2016

Viga Espaço Cênico (Rua Capote Valente, 1323, Pinheiros. Fone: 3801-1843). Segunda, 21h. Ingresso: R$ 30. Até 15 de agosto. 

Em uma época em que todo mundo entrega-se ao exercício de julgar moralmente todo mundo, a peça de Reginald Rose é um estudo minucioso do comportamento de grupo. Mais ainda: de como um mesmo fato pode admitir ângulos e verdades divergentes a partir das diferenças culturais e histórias de vida de cada um. Neste drama de tribunal de tom humanista, doze jurados devem decidir se um jovem estrangeiro de dezesseis anos assassinou ou não o próprio pai. Se culpado, será executado na cadeira elétrica. O veredicto precisa ser unânime – na justiça brasileira, basta apenas obter a maioria dos votos. Por conta disso, a carga dramática da decisão é absurdamente pesada. Afinal, alguém pode perder o direito à vida se uma injustiça for cometida. Onze estão convictos de que o garoto cometeu o ato. O jurado número 8, porém, quer discutir mais. Decidido a analisar novamente os eventos, ele se depara com a má vontade dos demais, famintos e ansiosos para irem embora. É um início de alta voltagem. Áspera e exasperante, a trama já foi transposta para o cinema (1957), na estréia na direção de Sidney Lumet, e agora ganha a primeira montagem teatral no Brasil pelas mãos do inspirado Grupo Tapa. Poucos diretores como Eduardo Tolentino cultivam o hábito de encenar peças que dialogam com a atualidade, que reflitam e espelham a sociedade de hoje. No extenso currículo da trupe, nada é levado aos palcos por acaso.   

O texto chega a ser contundente, em especial num tempo em que a conveniência avilta o consagrado princípio jurídico da presunção da inocência. Enquanto o jurado dissidente tenta convencer os outros colegas, toma forma e feição a característica individual de  cada membro do júri. Ou seja, o estilo e a trajetória de vida, a condição social, a ocupação profissional, a idade, os traços de personalidade e temperamento. (*) Há o bancário hesitante e humilde (Ricardo Dantas), o frio e autoconfiante corretor de ações (Oswaldo Mendes), o operário obtuso e influenciável (Marcelo Pacífico), o vendedor extrovertido e superficial (André Garolli), o publicitário sem nenhum ponto-de-vista (Ivo Muller), o relojoeiro imigrante que fala com sotaque (Eduardo Semerjian), o comedido e metódico presidente do júri (Brian Penido), o sujeito que cresceu em uma favela (Augusto César) e assim por diante.  A peça se alimenta desses choques e embates inevitáveis. O jurado 3 (Genézio de Barros), por exemplo, está debilitado emocionalmente pelo desdém do filho, o que influencia sua decisão. Espécie de antagonista do sereno e lúcido jurado 8 (Norival Rizzo), ele é amargo e passa o tempo todo berrando e inflamado com os outros. Será o último a ser persuadido, numa cena na qual revela uma vulnerabilidade surpreendente. O público irá observar atônito que o réu é visto como culpado mais por uma questão de preconceito, crenças e idéias pré-concebidas.

Em suma, quase todos ali solaparam a objetividade e a racionalidade, substituídas por ressentimentos, rancores e vinganças pessoais. Mesmo diante de um quadro aparentemente imutável, aos poucos o jurado 8 abala a convicção do grupo e espalha dúvidas. Chega ao detalhe de cronometrar o tempo e imitar os passos de uma testemunha que alega ter ouvido o crime e visto o menino escapulindo.  A arma do crime, uma faca dobrável, é espetada na mesa. O primeiro a concordar com ele é o jurado 9 (José Renato), o mais veterano e perspicaz, que afirma não haver provas suficientes para a condenação.  Por sinal, ele vai protagonizar um dos momentos emblemáticos do espetáculo, ao levantar-se da mesa, seguido um a um pelos demais, inconformado com o discurso racista e reacionário do jurado 10 (Riba Carlovich). É interessante observar como o placar vai sendo virado na medida em que as dúvidas são levantadas e fundamentadas, produzindo revisão das posições iniciais. Efetivamente, é possível existir um abismo entre o que se viu e o que se pensou ver. O processo, claro, não será levado sem conflitos e paixões exacerbadas. Trata-se de uma exaustiva guerra de nervos. O que está em jogo não é mais a solução do caso, mas a decisão de se condenar um jovem à morte.

Na envolvente e poderosa encenação do Tapa, que enfrenta um texto adaptado num sofisticado registro naturalista, a tensão é acirrada paulatinamente. Com o agravante de que o ambiente é uma pequena sala de um tribunal, em um dia de verão infernal. O calor excessivo e a falta de ventilação tonificam a atmosfera asfixiante e claustrofóbica. A platéia é tragada pela trama, pela fricção dos diálogos, pela dinâmica das mudanças, pela linguagem corporal e não pela ação física ou o desvendamento do crime. Deixa-se seduzir pelo passo a passo, pelo fato alavancado, pelo dado exposto, pela prova autopsiada. É uma encenação que instiga o espectador a degustar diferentes aspectos do caso. Numa direção em que o estilo deve ser deixado de lado, Tolentino desenha marcações que funcionam não só para acentuar o clima beligerante instaurado na arena de discussão como servem para transmitir a sensação de perplexidade de um júri atormentado pela insegurança. Dispondo tão somente de uma mesa e doze cadeiras, consegue prender a atenção do público de maneira absoluta. Trata-se de um tipo de trabalho que presta tributo à arte do ator e dispensa ilusionismos e grandes recursos cênicos.

O talentoso elenco masculino reunido é capaz de atribuir magnitude a figuras muito diferentes, valorizar e tirar proveito da atualidade e pertinência da peça. Em cena, eles fumam nervosamente, transpiram, trocam insultos, perdem a compostura, se enfurecem, andam estressados de um lado ao outro. Entregam-se com paixão e eletricidade aos seus personagens. Não há um destaque individual, cada intérprete deixa a sua marca e sua personalidade. São performances arrebatadoras, que abrilhantam e concedem coesão ao conjunto. Um espetáculo de construção narrativa precisa, reverente a um texto que celebra um tipo de ideal cada vez mais vilipendiado nos tempos cínicos de hoje.

(Edgar Olimpio de Souza - O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto: Zineb Benchekchou)

 (*) Na atual temporada ocorreram mudanças no elenco

Avaliação: Ótimo

12 Homens e uma Sentença

Texto: Reginald Rose

Direção: Eduardo Tolentino                                                                                                      

Elenco: Norival Rizzo, ZéCarlos Machado, Brian Penido, Ivo Muller e outros                                                                  

Teatro Viradalata (Rua Apinajés, 1.387, Perdizes. Fone: 99665-3986). Sexta e sábado, 21h; domingo, 19h. Ingresso: R$ 60. Até 27 de novembro.

Estreou: 19/11/2010

É uma história de solidão, de pessoas que precisam do outro para sobreviver. Ambientada durante a Grande Depressão na década de 1930, a trama tem como personagens centrais dois nômades, à margem da sociedade, em busca do chamado sonho americano de ter uma casa própria e trabalho digno. George é um deles. De olho na sua independência econômica, ele peregrina ao lado do protegido Lennie, um brutamonte com mente de criança, à procura de trabalho. Ambos acabam desembarcando em um rancho no interior da Califórnia. O local é um verdadeiro barril de pólvora, prestes a explodir e levar junto os personagens que ali arrancam a sua subsistência.  

Escrito pelo dramaturgo americano John Steinbeck, em 1937, o poderoso e controvertido romance foi adaptado para o teatro pelo autor no mesmo ano e ganhou quatro versões para o cinema. Uma das mais famosas (1992) estourou nas bilheterias e foi protagonizado por John Malkovich (Lennie) e Gary Sinise (George), que assinou a direção. Virou também musical na Broadway em 2014, com Chris O’Dowd (George) e James Franco (Lennie). No Brasil, a peça foi montada pela primeira vez seis décadas atrás e marcou a estreia de Augusto Boal (1931-2009) no mítico teatro de Arena, em um espetáculo capitaneado por Gianfrancesco Guarnieri (George) e José Serber (Lennie). Não é muito comum que um texto contundente, cuja força narrativa está centrada na relação entre George e Lennie, tenha permanecido engavetado por tantos anos. Por isso é promissor que uma nova encenação esteja em cartaz em São Paulo, com bons resultados, dirigida por Kiko Marques. 

No enredo, os impotentes e mal remunerados homens que atuam na fazenda são seres que lamentam suas vidas solitárias e vivem na expectativa de dias melhores. George alimenta o plano de adquirir um acre de terra e nele construir sua fazenda. O dependente Lennie quer estar sempre ao seu lado. Candy teme que sua idade avançada o torne inútil. O orgulhoso e discriminado negro Crooks, que cuida dos cavalos, deseja ser aceito socialmente. Slim se vale de sua intuição e autoridade para atrair os outros peões. Carlson vive se queixando do velho cão malcheiroso de Candy e se prontifica a sacrificá-lo. A única mulher da propriedade é uma fracassada aspirante à atriz que se casou com Curley, o arrogante e ciumento filho do proprietário – sem obrigações, a atrevida jovem passa o tempo todo flertando com os machos do lugar.

Fiel à dramaturgia de Steinbeck, Kiko Marques valoriza cada palavra e cria um espetáculo humano e de forte sensibilidade. Conseguiu ótimo resultado do elenco de oito atores, que dão dignidade e gravidade aos personagens. Ricardo Monastero interpreta de forma vigorosa George, um sujeito franzino e esperto. No difícil papel do gigante sem cérebro Lennie, dono de uma força desproporcional que eventualmente o leva à ruína, Ando Camargo exala nuances e comove, em desempenho marcante. O veterano ator Luiz Serra encarna com garra e humor Candy, o velho empregado que ansia por segurança. Natallia Rodrigues não chega a se destacar, mas transpira o ar da moça entediada num casamento infeliz. Uma prosaica brincadeira entre ela e Lennie será o estopim de uma tragédia anunciada. Gustavo Vaz (Slim), Cássio Inácio (Curley), Luciano Schwab (Carlson) e Tom Nunes (Crooks) completam o elenco, demarcando rendimentos convincentes e apaixonados.

A direção cercou-se de gente competente para dar suporte na parte técnica. Márcio Vinicius elaborou cenário rústico que reproduz com rigor alguns espaços do rancho, como o celeiro. A iluminação de Guilherme Bonfanti, apoiada em várias matizes de cores, instaura os climas necessários a cada ação dramática. Os figurinos de Fábio Namatame são adequados e atendem à proposta realista da encenação. A eficiente trilha sonora de Martin Eikmeier pontua todo o espetáculo. Nesse drama de Steinbeck, os personagens são símbolos das circunstâncias da época. Compõem uma plebe de sonhadores empenhada em resistir, mas que entra em rota de colisão com a dura e inóspita realidade da vida.  

(Vinicio Angelici – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Luciano Alves)

Avaliação: Ótimo  

Sobre Ratos e Homens

Texto: John Steinbeck

Direção: Kiko Marques

Elenco: Ricardo Monastero, Ando Camargo, Luiz Serra, Natallia Rodrigues e outros.

Estreou: 04/05/2016

Teatro Faap (Rua Alagoas, 903, Higienópolis. Fone: 3662-7233). Quarta e quinta, 20h. Ingresso: R$ 40. Até 28 de julho.