Incômodo, perturbador e cortante, o texto do dramaturgo norte americano David Mamet apresenta seres que golpeiam e sofrem contragolpes na mesma proporção. Não há alívio nas palavras vociferadas, nos embates cara a cara, nos choques interpessoais. Nada que surpreenda, porque o autor aporta em cena um assunto por demais espinhoso – o desconforto que comumente fustiga os brancos quando falam de negros ou se dirigem a eles. Ou seja, trata-se de uma peça que alavanca questões sobre a natureza universal da culpa e da vergonha. A adaptação brasileira, assinada por Gustavo Paso e encenada pela irrequieta companhia carioca Teatro Epigenia, potencializa a força da obra desembrulhando uma montagem febril, inteligente, cirúrgica.

Aqui, os diálogos são crus e reveladores do desespero, arrogância e do espírito dissimulado dos personagens. O público chega a se sentir inserido em um típico drama de tribunal. O cenário, no entanto, é um asséptico escritório de advocacia, aparentemente afortunado, pilotado por dois sócios useiros e vezeiros de jargões profissionais, o caucasiano Jack e o afrodescendente T.J., que se comportam menos como advogados e mais como homens de negócios. Há ainda uma assistente novata negra, a idealista Susan, recentemente admitida. A banca reluta em assumir um caso complicado, a defesa de Charles, um milionário branco acusado publicamente de estuprar uma jovem negra em um quarto de hotel, transgressão que ele refuta – segundo sua versão, ambos mantinham um relacionamento consensual e certamente aconteceu um mal entendido. 

A matéria, que envolve cor da pele, assédio e implicações variadas, é uma chaga aberta. O tratamento que Mamet concede ao tema avança além do território da racionalidade. A entrevista inicial de Jack e T.J. com seu potencial cliente é sacudida por frases hostis e insinuações que denotam a atitude um tanto amoral dos dois especialistas. Aborda-se o processo legal, que possivelmente não irá se apoiar na justiça, mas em um julgamento contaminado por preconceitos, suposições e condicionamentos históricos. Comentários sobre o papel indigno dos meios de comunicação também são entabulados ao longo da conversa. Sutilmente a política interna da casa ganha contornos. Ações escassamente transparentes ali desfechadas acabaram por gerar descobertas desagradáveis. Susan, por exemplo, que tem a aparência de uma mulher passiva e inexperiente, pode ter sido vítima de discriminação durante o processo de sua contratação.

Em meio ao ambiente formado de desconfianças, ataques e colisões, o trabalho precisa prosseguir. Um dos advogados propõe uma linha de atuação preliminarmente bem sacada. A suposta agredida relatou que seu vestido de lantejoulas vermelho foi rasgado durante o ato forçado. Porém, no relatório policial não há referência a esses enfeites que previsivelmente deveriam estar espalhados pelo chão.

O enredo ludibria o espectador, preocupado em saber se, de fato, o crime ocorreu e qual será a sentença do juiz. A inocência ou culpa do milionário, todavia, pouco interessa. A suposta barbaridade serve de pretexto para deflagrar outras reflexões e perspectivas: branco x negro, homem x mulher, patrão x funcionário, moralidade x amoralidade. Efetivamente, não se trata de um estudo restrito ao racismo e suas consequências. Retórico, o texto examina as artimanhas de dominação e da política sexual contemporânea, tece observações agudas sobre discriminação, mostra o lugar do indivíduo na sociedade e como a hipocrisia e o cinismo se infiltraram nas relações sociais.    

A precisa direção de Paso deixa o espetáculo fluir com naturalidade. Embalada por sequências curtas e exaltadas, a encenação organiza e delineia de forma desembaraçada o conflito no palco. O diretor lida com uma série de conteúdos interessantes e controversos sem recorrer a qualquer concessão e artifícios descartáveis. Obviamente porque confia na dramaturgia instigante, no sarcasmo do ensaísta e na força do elenco, que transpira a urgência necessária e busca infundir humanidade às criaturas. O concerto é afinado e harmonioso, sintonizado com a proposta de uma encenação austera. Criada pelo diretor e Luciana Falcon, a cenografia ajuda a iluminar a atmosfera enervante que adensa a montagem – a plateia se divide em duas partes e o espectador vira uma espécie de jurado involuntário.      

Gustavo Falcão encarna Jack, que se esforça em ser a pessoa mais fria e equilibrada da sala. Mais contido que o parceiro, está convencido de que paira acima das armadilhas raciais por entender o problema, mesmo se contradizendo em muitos instantes ao dizer e fazer coisas belicosas, de feição racista e sexista. O desempenho do ator é contundente e a forma acelerada como se expressa verbalmente indica uma tentativa de opressão pela linguagem. Em uma passagem, afirma que todas as pessoas são estúpidas e que os negros não estariam isentos dessa realidade.

Na pele do defensor negro, Leandro Vieira tem forte presença cênica. Sua atuação é cheia de fúria e evidencia a soberba de T.J., um sujeito que caminha sobre campo minado e não oferece conforto algum ao réu. Primeiro a detectar o teor explosivo do delito, ele acredita compreender a essência humana e o sistema de justiça, a ponto de vislumbrar a conduta dos jurados negros e brancos no eventual julgamento.

Convincente e segura, Heloísa Jorge dá vida à Susan, a assistente enigmática, de atitudes ambíguas e motivações vagas, que se aproveita das circunstâncias de sua raça, sexo e posição subalterna no gabinete. Por longos minutos ela permanece em silêncio, só espreitando os colegas, mas aos poucos sua lealdade é posta em cheque e sua presença se torna crucial à história. Sem recorrer ao estereótipo, Clovis Gonçalves empresta credibilidade ao homem acuado, em dúvida se deve se sacrificar ou buscar a redenção. Com o desenrolar dos acontecimentos, episódios vergonhosos do passado de Charles emergem, como uma mensagem escrita em um velho cartão postal endereçado a um amigo. Sua performance é firme, eficiente e franca.

Mamet concebeu um trabalho tenso e envolvente, movimentando figuras que funcionam como veículos para externar ideias e pontos de vista. Ele costuma enxergar o mundo como uma luta territorial pela subjugação, uma guerra sem tréguas pelo poder. Em Olleana, encenada recentemente pelo Teatro Epigenia, o eixo central gravitava em torno de uma persuasiva batalha entre uma geração que tenta preservar o controle e o mando e jovens ascendentes que procuram cavar seu lugar. Não há vencedores nem perdedores nessa arena. A dúvida sobre quem, afinal, tem razão jamais se dissipa. Sobra a convicção de que somos ensinados desde pequenos a camuflar e disfarçar nossos preconceitos étnicos e intolerâncias ao diferente.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Geraldo Júnior)

Avaliação: Ótimo

Race

Texto: David Mamet

Direção: Gustavo Paso

Elenco: Gustavo Falcão, Leandro Vieira, Clovis Gonçalves e Heloísa Jorge.

Estreou: 01/04/2017

Viga Espaço Cênico (Rua Capote Valente, 1.323, Pinheiros. Fone: 3801-1843). Segunda a quarta, 21h. Ingressos: R$ 30. Até 31 de maio.

A cidade onde se passa a ação é um tipo de alegoria do Brasil. Trata-se de um lugarejo que lembra o cotidiano das pequenas cidades do País, povoada por tipos bastante caricatos que articulam o poder e exercem domínio sobre o povo. Na fictícia Asa Branca há um deputado, o fazendeiro endinheirado Sinhozinho Malta (Jarbas Homem de Mello), que chefia politicamente o local. Um comerciante, Zé das Medalhas (Samuel de Assis), novo rico fabricante de medalhinhas. Uma mulher de trejeitos vulgares (Lívia Camargo), convenientemente transformada em viúva sem nunca ter casado. Um padre hipócrita (Edson Montenegro), capaz de acender uma vela para Deus e outra para o Diabo. Um prefeito, totalmente submisso e sem autoridade (Dagoberto Feliz).

Assinada por Débora Dubois, a eficiente montagem não alivia essa fauna de gente corrupta e sem integridade. É uma encenação opulenta em símbolos e metáforas. Escrita em 1963 pelo dramaturgo Dias Gomes (1922-1999), a peça, então com o nome de O Berço do Herói, foi proibida pela censura, que implicou com o eixo principal do texto, a desconstrução de um mito militar. Em 1975, já com o nome de Roque Santeiro e em formato de telenovela, não teve melhor sorte e foi suspensa. Apenas uma década depois estreou finalmente na telinha, com pontuais alterações. O êxito foi tamanho que o autor, em nova versão teatral, decidiu manter o novo título e os nomes dos personagens televisivos. Para sua opereta popular, como definiu a obra, ele chegou a escrever letras para serem eventualmente musicadas. Trabalho, aqui, assumido por Zeca Baleiro.

O espetáculo chega aos palcos na onda de adaptações teatrais de folhetins famosos. No ano passado, Os Dez Mandamentos emplacou carreira vitoriosa. Recentemente foi a vez de Carrossel, o Musical. Mais adiante estreará Vamp.

A trama envolve o público pela forma como radiografa as estratégias de dominação e seus tentáculos. Convocado, Roque foi lutar na Segunda Guerra Mundial e, covardemente, fugiu em meio a uma batalha, refugiando-se na Europa. Dado como desaparecido, foi aclamado por todos os conterrâneos como herói de guerra morto. Graças à exploração do mito, Asa Branca enriqueceu e se tornou pólo de peregrinação turística. Ninguém esperava, no entanto, que num determinado dia ele voltasse. Seu regresso quinze anos depois, para desespero dos poderosos, pode minar a prosperidade do município e desnudar a engrenagem da construção da lenda. Ou seja, o povo não pode saber da verdade. 

A direção se desincumbe com engenho da difícil missão de escapar da tentação de instaurar no palco um remake da telenovela. A encenação flui com desenbaraço e leveza. O trabalho foi facilitado pelo bom desempenho do elenco reunido, que buscou encarnar os personagens sem recorrer ao registro naturalista da televisão. Jarbas Homem de Mello revela-se convincente na pele do coronel venal e indecoroso. Em um de seus melhores trabalhos no teatro, Flávio Tolezani encarna com desassombro o herói um tanto ingênuo e confuso com os acontecimentos. No papel de Viúva Porcina, a atriz Lívia Camargo imprime sua personalidade, num esforço vitorioso de fazer o público se esquecer de Regina Duarte, que brilhou nessa mesma função na idolatrada telenovela. Seu desempenho é solar e divertido.

 Luciana Carnieli oferece ótimos momentos como a adorável Matilde, dona do bordel. Com graça, Gisele Lima e Yael Pecarovich interpretam as garotas abusadas do prostíbulo. Além da belíssima voz, Nábia Villela recorre ao humor na composição de Dona Pombinha, mulher do prefeito Florindo Abelha. O alcaide é incorporado com nuances por Dagoberto Feliz. O Padre Hipólito ganhou matizes na interpretação de Edson Montenegro. Samuel de Assis, como Zé das Medalhas, exibe bom timbre vocal e espontaneidade. Mesmo com um personagem sem muitas aparições, Mel Lisboa mostra talento e sagacidade como Mocinha, mal-resolvida paixão de Roque Santeiro. Com boa presença cênica, e executando diversos instrumentos, Marco França faz Toninho Jiló, a figura que simboliza o populacho manipulado. Em dupla exposição, Cristiano Tomiossi dá vida ao Professor Astromar e ao General, o sorumbático militar nem um pouco disposto a aceitar pacificamente o retorno do mártir.

Concebido e desenhado por Débora Dubois, o cenário reproduz os vários ambientes necessários à condução do enredo, como a casa da Viúva Porcina, a praça central e a igreja. Fabrício Licursi elaborou coreografias interessantes, que remetem às imagens das festas populares nordestinas. Os figurinos de cores vivas, de Luciano Ferrari, aliados à iluminação de Fran Barros, conferem uma tonalidade especial à cena. Merece destaque as esculturas de Paulo Bordhin, especialmente a de Roque Santeiro, uma armação grandiosa. Zeca Baleiro faz a direção musical e compôs canções deliciosas, além de ter dado sonoridade às ótimas letras legadas por Dias Gomes. A trilha sonora reúne de baião a bolero, de valsa a tango. É executada ao vivo pelos atores, com o apoio dos músicos André Bedurê (baixo e violão) e Érico Theobaldo (guitarra, percussão e eletrônicos). A produção incluiu ainda dois hits da novela, Dona e ABC do Santeiro, de autoria da dupla Sá & Guarabyra. 

Um dos trunfos da montagem é desembrulhar uma leitura satírica de um Brasil que precisa de heróis para perpetuar os desmandos e distrair a arraia-miúda. Se, afinal, Roque Santeiro encontra-se vivo, toda uma lenda urdida para eternizar interesses escusos estará com seus dias contados. Por isso, ele precisa morrer. Dias Gomes tece uma reflexão instigante e poderosa sobre a construção de um anti-herói. 

(Vinicio Angelici - O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto João Caldas )

Avaliação: Bom

Roque Santeiro

Texto: Dias Gomes

Direção: Débora Dubois

Direção Musical: Zeca Baleiro

Elenco: Flávio Tolezani, Jarbas Homem de Mello, Lívia Camargo, Dagoberto Feliz e outros.

Estreou: 27/01/2017

Teatro Faap (Rua Alagoas, 903, Higienópolis. Fone: 3662-7233). Sexta e sábado, 21h; domingo, 18h. Ingresso: R$ 80 e R$ 90. Até 25 de junho.  

Foi uma edição menos impactante do que as anteriores. A quarta edição da MITsp – Mostra Internacional de Teatro de São Paulo, que aconteceu nesse mês de março, mostrou trabalhos desiguais, alguns francamente dispensáveis. Um dos que aliviaram a programação foi este espetáculo do coletivo alemão Munchner Kammerspiele, com direção de Susanne Kennedy, responsável pela adaptação teatral a partir do roteiro do filme homônimo do cineasta alemão Rainer Werner Fassbinder.

Um tanto incômoda para alguns, por conta de seu ritmo intencionalmente lento e o tempo expandido, a montagem desembalou uma trama angustiante e dolorosa, por vezes mitigada por momentos cômicos. O minimalismo radical da diretora desacelera os movimentos, faz os atores parecerem mais bonecos do que humanos e promove o distanciamento emocional do espectador – aqui, um procedimento brechtiano, que obriga a uma reflexão por parte do público. A opção por essa estética ousada se revelou oportuna. O conteúdo ganhou expressão e lógica na forma.

Se observado mais genericamente, o enredo trata do esvaziamento do sentido da vida. O mundo em que vive o protagonista é estéril e insosso. As relações interpessoais são geladas, protocolares, melancólicas. Há uma eloqüente incapacidade de comunicação entre os indivíduos. O Sr. R. trabalha como desenhista técnico num escritório impessoal, mantém casamento com uma mulher inconformada com sua pretensa falta de ambição profissional, “quanto mais você envelhece, mais burro e mais gordo fica”, e tem um filho comportado.

Os encontros com os sogros são chochos. O mesmo acontece quando recebe a visita da vizinha tagarela. As celebrações com o chefe não passam de rituais deprimentes. Nas reuniões escolares, escuta sem ânimo a professora ditar regras e palpites sobre como dirimir as limitações do filho estudante. Na loja de disco, ele se esforça para se lembrar do título da música que tanto o emocionou num passado distante. 

As aparências de que o dia a dia asfixiante está naturalmente assimilada sem maiores traumas são enganosas. Toda essa pressão inerente ao seu cotidiano burguês custa um preço, que pode ser fatal. Sutil ou não, a desidratação da humanidade a que está irremediavelmente submetido faz dele uma espécie de bomba ambulante, prestes a explodir.

O mecanismo de embotamento é exasperado pela encenação proposta por Susanne. Há, por exemplo, demorados hiatos entre os diálogos, lapsos propositais entre uma ação e sua correspondente reação, gestos mecanizados, poses incomuns. Os textos, por sinal, não são proferidos em cena – o elenco dubla vozes previamente gravadas, constituindo uma curiosa partitura rítmica. 

O interior de uma claustrofóbica caixa cênica de madeira, destituída de janelas, serve para várias situações, que são anunciadas em off por voz distorcida. O espaço nunca muda, mas ambienta uma sala de estar, um escritório, rua, escola. Como se fosse um circuito fechado de vigilância, um monitor ali posicionado exibe a agitação em um estacionamento ao lado de fora. As cenas que acontecem nesse baú cenográfico são interrompidas regularmente por um telão frontal, abaixado e levantado, sobre o qual são projetados vídeos com pessoas comuns (funcionários) tentando arrumar este mesmo recinto – elas filmam, mudam um vaso de planta de posição, experimentam um sofá. Na função de coadjuvantes, agora ao vivo, irão reaparecer em uma emblemática sequência próxima do desfecho. 

Os atores interpretam com máscaras de silicone, que aderem ao rosto e deixam visíveis apenas os olhos e as bocas. O efeito produz inevitável estranhamento e dá certa impressão de desenho animado às expressões faciais. Eles se revezam pelos diversos papéis. Três intérpretes, com físicos diferentes, encarnam a figura central, estratégia que realça as suas transformações corporais, psicológicas e emocionais. Ele pode tanto surgir no palco como homem alto ou baixo, mais magro ou com barriga saliente. Além disso, conforme seu estado de espírito e circunstâncias, ele transita do infantilmente engraçado ao sujeito inteiramente brutalizado.

Formalmente instigante, o espetáculo vaza um áspero e poderoso estudo sobre a decrepitude do humanismo em um mundo artificializado, com terríveis danos colaterais. O Sr. R. se tornou um produto, algo mais normal do que se quer acreditar. Acabou se despersonalizando em uma sociedade regida por afetos postiços, regulamentos insensíveis e clichês comportamentais. Num grupo, ao ouvir uma piada, é preciso rir, mesmo que a anedota seja sem graça. Não é por acaso que lenta e inexoravelmente ele caminha para a execução de um massacre. O desenlace não surpreende. O bode está na sala e muitos fingem que não o enxergam.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Divulgação)

Avaliação: Ótimo

Neil LaBute tem compulsão por retratar a crueldade humana. O dramaturgo norte-americano aprecia cutucar a inesgotável capacidade do ser humano em se desencantar e se iludir com o outro. É o que acontece quando dois irmãos se encontram em um chalé de férias no meio de uma floresta, durante noite fria e chuvosa. Professora universitária, casada e mãe de dois filhos, a intelectual Betty chamou o caçula Bobby, que sobrevive de subempregos, para ajudá-la a evacuar urgentemente o imóvel, após a apressada saída do último inquilino. O marido não podia auxiliá-la porque teria ficado em casa cuidando das crianças.

Assinada por Otávio Martins, a inquieta montagem realça o tema clássico da rivalidade familiar, assunto bastante investigado pela literatura, cinema e teatro. Aqui, a infância conflituosa com o pai dominador, somada à diferença crucial de temperamentos e propósitos de vida, produziu assimetrias inconciliáveis na dupla. Flutuante e atraente, ela acredita que sua beleza está desvanecendo. De gênio rude e sexista, ele não se preocupa em ser politicamente correto e está se lixando para a opinião dos outros ao seu respeito.      

Nessa peça nervosa, rusgas e mágoas são ativadas a partir do momento em que o passado vem à tona, evocando segredos indesejáveis, e circunstâncias do presente ainda subsistem mal resolvidas. Por conta dessas sombras que pairam sobre suas existências, os diálogos transcorrem agitados, as palavras são exasperadas e não demora um clima de mútuas cobranças e suspeição se estabelece. Bobby faz perguntas aparentemente inofensivas à Betty, para evidenciar o quanto suas respostas são vagas. Culpa-a por se intrometer em um de seus casamentos fracassados e está minimamente disposto a esquecer da trajetória promíscua da irmã, em especial o vínculo nada protocolar com um estudante do campus onde leciona. Na defensiva, ela reluta em assumir não só as responsabilidades por atos pregressos como as ações mais recentes. A situação degenera quando, por acaso, uma fotografia comprometedora é descoberta, o que subverte aquilo que o público presumiu num primeiro momento.  

O notável nesse enfrentamento entre Betty e Bobby, além do abismo cultural e o baú de ressentimentos, é a visível conexão entre eles, não inteiramente fraternal. Eles brigam, discutem, discordam até sobre o trivial - como saímos do mesmo ventre?, ela chega a questioná-lo. Mas há uma visível pulsão incestuosa unindo-os. Um sentimento que irá redundar na ruína e queda de ambos.  

A direção de Otávio Martins busca sublinhar com desafetação teses empunhadas por LaBute em seu texto. A de que a verdade seria fugaz e as aparências exibem um caráter enganoso. Mesmo esquemática, a encenação oferece boa dose de imprevisibilidade, porque Betty e Bobby são ao mesmo tempo frágeis e perversos e o tipo de intimidade que cultivam pode ou não ser o que parece. O diretor privilegiou o trabalho dos atores. Desenha passos e movimentos que facilitam o embate verbal e a atmosfera de mistério, capturando sem muito esforço a atenção da platéia. Toda a trama se desenvolve em meio a paredes e móveis de caixotes de feira estilizados, em cenografia instigante concebida por Mirtis Moraes.

Os intérpretes destravam desempenhos convincentes, concedendo humanidade aos seus papéis. Com energia escaldante no palco, Guta Ruiz encarna Betty, mulher culturalmente sofisticada, porém destituída de bússola moral, que age segundo critérios bem particulares e é fustigada por um dilema. No início, se apresenta firme e cheia de soberba, mas na medida em que a narrativa avança, torna-se ansiosa e assume expressões de desespero – é uma dualidade que conduz a personagem para trilhas de real perigo. Também no gume da navalha, Pedro Bosnich combina virilidade com explosões intempestivas de compaixão na composição de Bobby, um sujeito que denota uma visão de mundo cínica – ele é capaz tanto de agredir quanto perdoar no minuto seguinte.    

LaBute desfia um thriller psicológico notadamente marcado pela mordacidade com que lapida as criaturas e demarca suas histórias pessoais. O autor observa o homem com desdém e descrença. Em sua dramaturgia, é muito comum a irrupção de uma reviravolta ou um desfecho chocante. Ao descobrir a realidade sobre o ex-locatário, o espectador irá perceber que a atitude de arrumar o espaço não era apenas uma operação de preparar o ambiente para a eventualidade de outro locatário. Tratava-se de uma estratégia para acobertar possíveis pistas. A obra explora não só o submundo dos relacionamentos entre pessoas da mesma família. Lança também um olhar incisivo sobre a natureza da verdade.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Gustavo Arrais)

Avaliação: Bom

O Bosque Soturno

Texto: Neil LaBute

Direção: Otávio Martins

Elenco: Guta Ruiz e Pedro Bosnich

Estreou: 2 de fevereiro

Teatro Eva Herz (Conjunto Nacional. Avenida Paulista, 2073, Jardins. Fone: 3170-4059). Quinta e sexta, 21h. Ingresso: R$ 40. Até 24 de março.