É uma dramaturgia temperada por situações extremas e personagens no limite. Escrita pelo dramaturgo americano Tennessee Williams (1911-1983) aos 27 anos, que se inspirou em um caso real na época, a peça permaneceu no limbo até a atriz britânica Vanessa Redgrave ressuscitá-la em 1998, enquanto pesquisava um texto diferente do autor – no ano seguinte, uma versão teatral estreou na Broadway e colheu seis indicações ao prestigiado Tony. Trata-se de uma criação mais política e menos lírica em comparação aos seus trabalhos posteriores como, por exemplo, À Margem da Vida (1944) e Gata em Teto de Zinco Quente (1958).

Sob direção de André Garolli, a surpreendente montagem de Not About Nightingales (Nada Sobre Rouxinóis) pela Cia Triptal alavanca uma história que transcorre em uma prisão instalada na península da Pensilvânia, de fuga considerada impossível. Crua, áspera e chocante, a trama explode a partir de uma greve de fome dos reclusos, que reclamam das duras condições de vida no local e da péssima alimentação servida. O protesto veemente tem como alvo um sistema de encarceramento abusivo que há muito abandonou qualquer pretensão de reabilitação social.

Nesse universo angustiante, algumas criaturas sobressaem. Butch é o autodeclarado líder dos revoltosos, um sujeito que sonha estar sendo aguardado por uma garota do lado de fora. Apelidado de canário, e odiado pelos demais cativos, o presidiário Jim atua no escritório da direção e relata o que está acontecendo no interior do pavilhão, além de redigir artigos para a revista da penitenciária. Há ainda a recém-contratada secretária Eva, que precisa de qualquer jeito do emprego naqueles tempos bicudos de depressão econômica, e o bestializado diretor Whalen, que assedia a nova colaboradora ao mesmo tempo em que tenta quebrar o movimento rebelde ameaçando-o com um castigo terrível. No caso, confiná-los no Klondike, localizado nas entranhas da cadeia, uma caldeira superaquecida que assa corpos a uma temperatura de até 150 graus. Uma punição que antecipa as temíveis câmeras de gás do Holocausto. Num sarcasmo intencional, o nome batiza uma das regiões mais geladas do Canadá.   

A direção manipula com perícia os elementos desse drama vigoroso e expressionista, instituindo uma gama de movimentos estilizados precisos e marcações convincentes o suficiente para levar o enredo adiante, mantendo o interesse do público até o desfecho. Em uma cena referencial ao cinema de Lars von Trier (O Anticristo) e Roman Polanski (Repulsa ao Sexo), a funcionária roda por braços estendidos das celas e, em outra passagem, é apalpada por diversas mãos, um delírio que transmite a sensação aterrorizante que ela vivencia. Nesta sala pequena, sentado na borda do espaço cênico, o espectador parece sentir cada pontapé e os golpes atrozes desferidos entre os detentos amontoados, os guardas e o diretor.

Os protagonistas projetam performances nítidas e detalhadas. No papel da desiludida e indignada Eva, a atriz Camila dos Anjos despeja paixão sincera e contida. Athos Magno mostra empatia na composição de Jim, o preso autodidata e um potencial poeta que sabe ter feito um acordo com o diabo para se salvar, às vésperas de conquistar a ansiada liberdade condicional. Atraídos um pelo outro, Eva e Jim estão submetidos ao abuso físico e emocional pelo superior Whalen, um corrupto que faz o que quer quando quer. Um fulano capaz de alternadamente acariciar um patinho de brinquedo, que planeja dar à filha, e açoitar um amotinado empunhando uma mangueira de borracha. Fabrício Pietro injeta intensidade e repugnância à essa alma maligna. Com força e gana, Fernando Vieira interpreta o ameaçador líder Butch, de inteligência acima da média entre os seus colegas, um cara que oscila entre a compaixão e a frieza. Simone Rebequi exibe determinação no desempenho de uma mãe perturbada e financeiramente desesperada.

Selecionados para o projeto Homens à Deriva, pilotado por Garolli, jovens intérpretes personificam os condenados, uma trupe de desajustados e outsiders que representam várias etnias, credos e preferências. Jhonathan Hoz encarna um enclausurado negro evangélico, que morre na solitária. Wes Machado é um delicado homossexual que se preocupa com suas unhas e traz a cultura gay para dentro de um ambiente eminentemente masculino. Alan Recoba vive um ex-atleta olímpico encarcerado por uma acusação violenta, que encontra seu fim trágico. Lucas Guerini dá vida a um marinheiro que enlouquece no xadrez e é severamente torturado. Com poucas ou nenhuma fala, Guilherme Maia, Rafaelly Vianna e Fernanda Otaviano, entre outros, completam o grupo dos aprisionados, todos entregando desempenhos apaixonados.

A cenografia, assinada por Garolli e César Rezende, destaca o bloco de cadeiras que, num design criativo, desenham tanto a masmorra quanto a solitária. Um andaime revestido de cortina transparente ilustra a apavorante sauna a vapor Klondike, um dos momentos mais dolorosos do espetáculo. Aline Santini engendrou um tipo de iluminação que captura o crepúsculo perpétuo do cárcere, lançando mais sombras do que luz ao ambiente.

Com viés de uma poesia de sarjeta e espécimes cínicos e miseráveis, a obra transborda uma realidade de opressão e luta, um contexto de descontrole que exige uma resposta radical. A violência deflagrada não chega a ser revolucionária, mas uma necessidade de autodefesa frente a um cenário concreto de um genocídio em marcha. O texto adianta temas que Tennessee Williams defenderia mais adiante em suas produções, como a intolerância humana, abusos sexuais, a ruína das relações familiares, homossexualidade, o sentimento de culpa do indivíduo, a pequenez da sociedade norte-americana vista por meio do microcosmo de uma situação. Ele esbanja maestria na concepção de seres mentalmente frágeis, que vê na rebelião uma tentativa desesperada de romper a solidão. É recorrente em suas narrativas a presença de figuras femininas traumatizadas à mercê de homens irracionais. No clássico Um Bonde Chamado Desejo (1947), a decadente Blanche travava um embate psicológico extenuante com o machão Stanley. Aqui, Eva se vê psicologicamente subjugada por Whalen.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Alexandre Inserra)

Avaliação: Bom

Inferno - Um Interlúdio Expressionista

Texto: Tennessee Williams

Direção: André Garolli

Elenco: Camila dos Anjos, Fernando Vieira, Fabrício Pietro, Athos Magno e outros.

Estreou: 30/08/2019

Espaço Cia da Revista (Alameda Nothmann, 1135, Campos Elíseos. Fone: 3791-5200). Terça a quinta, 20h. Entrada gratuita. Em cartaz até 31 de outubro.

Embalada em riso incessante, com personagens atrapalhados e cheios de trejeitos, a peça presta homenagem ao legado artístico do dramaturgo mexicano Roberto Gómez Bolaños (1929-2014). Ele é inventor do emblemático Chaves, seriado que se transformou em fenômeno cult e há mais de três décadas emplaca carreira na televisão brasileira. Escrita pela diretora musical Fernanda Maia, a história da famosa vila no subúrbio e seus moradores pobres e remediados sobe aos palcos em versão musical e linguagem circense - a autora decidiu, inclusive, reverenciar o circo nacional ao colocar em cena a figura de Benjamim de Oliveira (1870-1954), o primeiro palhaço negro do Brasil.   

Com direção de Zé Henrique de Paula, a montagem começa quando Bolaños, mais conhecido por Chespirito (Pequeno Shakespeare), está morto e não consegue passaporte para entrar no céu dos palhaços, justamente por não estar trajado a caráter nem portar o nariz de bola, mas roupas comuns. Alguém assim seria capaz de fazer o público rir? Por conta disso, uma excursão à Terra é organizada para tentar averiguar a veracidade do que fala Chespirito. O comboio, capitaneado pelo palhaço Dr. Zambeta e seu assistente Formiga, desembarca no planeta e será encaminhado pelo comediante aos bastidores do programa que ele idealizou e caiu no gosto popular. No espetáculo, Chaves ganhou registro um tanto melancólico, porém sem perder o dom de se embaraçar à toa. Ele é um menino pobre e órfão, sempre com fome e alvo da desconfiança da turma que o rodeia. O perfil juvenil e a condição social do personagem chegam a ser questionados na peça. Como é possível produzir humor em torno de uma criança naquela situação de vulnerabilidade?

O diretor conduz a ação sem perder o equilíbrio, assinando um trabalho ao mesmo tempo comovente e engraçado. Extraiu bom rendimento do elenco homogêneo de dezessete atores. No papel de Chaves, o ator Mateus Ribeiro vence o desafio de retratar as várias facetas do moleque que vive da caridade dos outros, mesclando encanto e uma vaga tristeza. Carol Costa compõe com graça a malcriada Chiquinha. Diego Velloso mostra talento na construção do garoto bochechudo Quico. A experiente Andrezza Massei está impagável na pele da vaidosa Dona Clotilde, a “bruxa do 71”. Eficiente, André Pottes dá vida ao Seu Madruga, o pai de família consumido pela preguiça, sempre às turras com a viúva Dona Florinda, encarnada de forma convincente por Maria Clara Manesco. Patrick Amstalden desempenha com desenvoltura o culto professor Girafales, especialmente na sequência que transcorre na escola. Ettore Veríssimo exibe energia na criação de Nhonho e do burguês gordo Sr. Barriga, dono de todas as casas do lugarejo – em uma passagem hilária, o rico proprietário interrompe uma tentativa de sedução para cobrar o aluguel atrasado de um dos moradores.                                                                                                                                              

Na trupe circense, Fabiano Augusto imprime sinceridade e cativa na interpretação de Chespirito. Ele emociona a audiência ao cantar um poema que Bolaños havia composto para a sua mulher na vida real, Florinda Meza, aqui musicado pela primeira vez. Em outro momento, criador e criatura se encontram e ativam diálogo tocante. Com performance segura, Milton Filho faz o líder do Palhacéu. Completam o time dos arlequins, transpirando desempenhos solares, Dante Paccola (Dr. Zambeta), Davi Novaes (Tufo), Larissa Landim (Patinete), Lucas Drummond (Tatuzinho), Marcelo Vasquez (Formiga), Nay Fernandes (Paçoquinha) e Thiago Carreira (Wladimir).

Na direção musical, Fernanda Maia concebeu trilha sonora à base de canções clássicas, exemplos de Aí vem o Chaves, Se você é jovem ainda e Que Bonita Vizinhança, e composições originais, executadas pela banda de seis músicos sob a regência de Rafa Miranda. Tanto o corredor para entrada no céu, quanto a vila e a escolinha do Professor Girafales foram delineados de maneira inventiva pelos cenógrafos Eron Reigota e Bruno Anselmo. A arquitetura cênica é realçada pela minuciosa iluminação de Fran Barros. Fábio Namatame mergulhou em pesquisa detalhista para figurinos e visagismos. As coreografias, de Gabriel Malo, são bem assimiladas por todo o conjunto de intérpretes. Chaves é um musical povoado por criaturas que não são heróis nem anti-heróis e exala um tipo de humor aparentemente tosco, que bebe na mesma fonte de Chaplin, Os Três Patetas e O Gordo e o Magro.

(Vinicio Angelici – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Rafael Beck)

Avaliação: Ótimo

Chaves – Um Tributo Musical

Texto: Fernanda Maia

Direção: Zé Henrique de Paula

Elenco: Fabiano Augusto, Mateus Ribeiro, Carol Costa, Diego Velloso, Patrick Amstalden e outros.

Estreou: 23/08/2019

Teatro Opus (Shopping Villa Lobos – Avenida das Nações Unidas, 4.777, Alto de Pinheiros. Fone: 3515-6650). Sexta, 21h, sábado, 16h e 20h; domingo, 15h e 19h. Ingressos: R$ 75 a R$ 140. Em cartaz até 20 de outubro.  

Foi o mais grave desastre tecnológico do século XX. No dia 26 de abril de 1986, uma sequência de explosões devastou um reator nuclear da central elétrica de Chernobyl, no norte da Ucrânia. Uma gigantesca nuvem de partículas radioativas se formou e se alastrou na atmosfera de boa parte da Europa, provocando mortes e doenças no decorrer dos anos seguintes. Em poucos dias, a cidade de Pripyat, inaugurada em 1970 para abrigar trabalhadores da usina e suas famílias, teve que ser evacuada às pressas. 

A catástrofe virou tema teatral em 2017 pelas mãos da dramaturga francesa Florence Valéro, nascida no mesmo ano da tragédia e hoje um dos nomes mais importantes do teatro e do cinema contemporâneo francês. E chegou aos palcos brasileiros em uma atraente montagem assinada por Bruno Perillo, com elenco formado pelas atrizes Carolina Haddad, Joana Dória, Manuela Afonso e Nicole Cordery.

Sem escorregar no didatismo e ao largo da intenção documental, o texto não reconta a calamidade, já revisitada e esmiuçada em livros, séries televisivas e reportagens. Busca privilegiar os desdobramentos do evento por meio da trajetória de uma família residente no entorno, que, indefesa, se vê forçada a abandonar sua casa, sem tempo de organizar e levar os seus pertences. Todo o processo que culmina no longo exílio desse núcleo familiar é acompanhado pelos olhos de uma boneca narradora, que pertence à filha pequena e tem lucidez e discernimento suficientes para compreender a magnitude dos acontecimentos – a autora pode ter se inspirado em centenas de fotografias de residências esvaziadas, muitas delas estampando bonecas largadas no chão. 

Com altitude poética e refúgio na fábula, a obra fisga o espectador e o faz submergir no horror da situação. O envolvimento da audiência não transcorre apenas pela relevância histórica do que sucedeu décadas atrás na União Soviética. A direção estilizada implementa uma linguagem cênica próxima do público moderno. Intérpretes e personagens dialogam, narram, veiculam ideias e expressam seus pensamentos, num emaranhado surpreendente de vozes. Cenas são pulverizadas. Há um movimento quase incessante e todo o ambiente cênico é preenchido de maneira engenhosa. A proposta de esgueirar-se da abordagem burocrática, em harmonia com a dramaturgia de alicerce fragmentário, concede dinamismo, vitalidade e energia à montagem. É uma criação que se conecta com a estética cinematográfica e seus signos característicos, como a dilatação e contração do tempo, o domínio do espaço, as imagens que priorizam o detalhe e constroem intimidade.             

A encenação sem ornamentos desnecessários, que nunca perde o equilíbrio e jamais procura assumir o primeiro plano, se nutre ainda de depoimentos colhidos no livro Vozes de Tchernóbil (2015), da premiada escritora e jornalista ucraniana Svetlana Aleksiévitch. Os relatos de pessoas que viveram o infortúnio de Chernobyl e sentiram na pele a violência do acontecido foram inseridos de maneira genuína e sensível. São histórias que potencializam o estofo dramático e emprestam à narrativa uma brutalidade às vezes chocante, empática e sempre eloquente. Como o testemunho da mulher grávida de um bombeiro destacado para trabalhar no reator explodido, que morreu contaminado e seu corpo foi hermeticamente embalado em saco plástico. Outra diz que “nós éramos educados a entender que o perigo só poderia vir da guerra e aqui nos disseram que era um incêndio comum. Mentira! Chernobyl foi a minha guerra.”

A trupe reunida mostra coesão e sintonia fina, oferecendo performances bem trabalhadas e expressivas. As quatro afiadas atrizes incumbem-se de encarnar nove personagens, entre eles um empregado do parque de diversões, soldado, a boneca, pai, mãe e um casal de filhos. Não há protagonismo, ninguém destoa. Carolina, Joana, Manuela e Nicole, ora usando máscaras antigás, sublinham as tensões e dão consistência ao desenvolvimento da representação. A equipe técnica contribui à altura. Projeções de luz e sombras, por exemplo, chegam a esculpir na parede o interior de um ônibus que transporta os moradores do local afetado e também ilustram o conto infantil de uma baleia de olhos dourados – a eficiente arquitetura de iluminação leva a assinatura de Grissel Pinguillem. A cenografia, com suas caixas de múltiplos usos, e os figurinos, à base de calças e casacos funcionais, são de Chris Aizner e servem adequadamente à mise-en-scène. A trilha sonora de Pedro Semeghini, uma textura melódica e de ruídos, pontua e tonifica a ação.

Permeado por símbolos e um desejo claro de ecoar a atualidade do assunto, o espetáculo alavanca outras discussões a partir da sua espinha dorsal. Ele também é uma reflexão sobre o desenraizamento e o aniquilamento de hábitos e valores. O caos de Chernobyl obrigou uma população inteira a se deslocar para outras geografias, sem poder voltar para seus lares. Memória e tradição foram vilipendiadas. O mesmo se processa com povos que precisam fugir de suas terras de origem por causa de guerras, da miséria e desgraças ambientais. Incômoda, a peça confronta a plateia com os custos humanos do progresso e da civilização. E faz pensar no tipo de sociedade que somos e estamos construindo.  O terrível acidente nuclear não apenas matou e gerou patologias. Arruinou emocionalmente a vida de adultos e crianças. Estas deixaram para trás seus brinquedos e suas infâncias.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Guy Pichard)

Avaliação: Ótimo

Chernobyl

Texto: Florence Valéro (com excertos do livro Vozes de Tchernobyl, de Svetlana Aleksiévitch)

Direção: Bruno Perillo

Elenco: Carolina Haddad, Joana Dória, Manuela Afonso e Nicole Cordery.

Estreou: 09/09/2019

Sesc Consolação – Espaço Beta (Rua Doutor Vila Nova, 245, Vila Buarque. Fone: 3234-3000). Segunda e terça, 20h. Ingresso: R$ 20. Em cartaz até o dia 22 de outubro. 

O espetáculo transpira um emocionante tributo ao pai da atriz, falecido em 2013. Apinhado de influências e impressões, o trabalho de Nicole Marangoni tem como ponto de início uma experiência particular, que passa a ganhar cores e feições universais conforme o enredo se desenvolve. Como a morte de um ente querido ecoa na mente e no coração de uma pessoa, que terá de lidar com o sofrimento do luto? O solo ignora a tentação de querer sumariar os eventos que culminaram na doença fatal. Há uma busca, não realista, mas subjetiva. O material biográfico da intérprete se entrelaça ao drama ficcional de uma cuidadora de idosos, que cedo perdeu a mãe. Ou seja, as reminiscências de uma menina que viu o progenitor falecer se embaralham às lembranças de uma outra garota destituída da figura materna. Embora a dor não seja transmissível, todo mundo consegue senti-la e a montagem se vale dessa percepção.  A consequência é uma obra lírica, orgânica, comovente, sobre o amor que a personagem sente por seu pai e os processos de despedida a que todos algum dia irão vivenciar.

Numa aposta ousada, e bem-sucedida, a representação prescindiu da presença do diretor e foi esculpida a partir do olhar externo de provocadores cênicos convidados. Eles cumpriram o papel de interferir tanto na marcha de criação quanto no resultado artístico alcançado. Em cena, Nicole captura com relativo êxito a marca do tempo. Aqui e ali é possível vislumbrar referências a filmes que, direta ou indiretamente, vasculham as relações familiares. Há alguma coisa do longa Amor (2012), de Michael Haneke, em sua leitura introspectiva e nada grandiloquente da perda. Sonata de Outono (1978), de Ingmar Bergman, forneceu a ideia das estações e dos ciclos da vida, detonadores de marcas profundas. Do humanista Ondas do Destino (1996), de Lars Von Trier, emerge a reflexão de como o ser humano consegue se relacionar com seus limites.  

A encenação em nenhum momento deturpa o sentido da meditação sobre o destino inexorável da existência. A protagonista evita as armadilhas de abordar o assunto como se tivesse deitada num divã de psicanalista. Com espontaneidade e comunicação, ela cria uma fala natural, nunca enfadonha ou ingênua. Atinge o poético por meio do trivial. Uma performance temperada pela vitalidade e a composição serena.

Fios invisíveis costuram os universos biográfico e ficcional. Cenas sugestivas evocam sensibilidades diferentes. Logo no início se fala da sororoca, o som dos últimos suspiros de quem está se despedindo d. Há uma sequência na qual um palhaço sem graça pilota um jogo infantil, com desfecho inusitado. Em outra passagem, o despertar sexual tem como ambiente o mar. Em momento agudo, a filha revela que sente falta da mãe, de alguém para dizer se a roupa que está vestindo é boa ou não. A mise-en-scène não carrega nas tintas, prefere o meio-tom das emoções veladas. Tudo se entrosa e cheira paixão. A pureza, a simplicidade e o rigor inscrevem o público num clima tocante.

Lastreada nesse princípio minimalista, a peça propõe ressignificar o conceito da morte que, mesmo sendo inevitável, poucos ainda sabem encará-la bem. É uma experiência triste e dolorida, sabe-se, mas pode ser também uma janela para a transcendência, a possibilidade de aproveitar essa circunstância de maneira mais generosa. Em ambos os planos narrativos as personagens se encontram num instante de fragilidade, vulneráveis, porém nunca deixam de trocar benquerença e carinho com quem está partindo. Não é incomum alguns espectadores chorarem ao final da sessão.  

Recursos despojados abolem o supérfluo e desempenham função essencial na hora de embalar as tramas. Um gramado sintético amarelo simboliza o jardim de flores. A cuidadosa iluminação de Yuri Cumer acompanha as modulações emocionais em circulação pelo palco – a luz demarca ainda a transição entre as esferas do eu e de Telma. A acanhada sala produz uma intimidade desejada. A atmosfera neste espaço é plácida e imperturbável. A força do relato está na segurança com que as histórias, os encontros e as conversas são combinados. Diferentemente de um produto sentimental, o que aflora é uma espécie de poética do afeto.   

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto: Rafael Latorre)

Avaliação: Bom

Eu/Telma

Texto e Atuação: Nicole Marangoni

Estreou: 20/07/2019

Aliança Francesa - Sala Atelier. (Rua General Jardim, 182, Vila Buarque. Fone: 3572-2379). Segunda, 21h. Ingresso: R$ 30. Em cartaz até dia 29 de setembro.