O tempo não empoeirou a obra. Está certo que os movimentos migratórios provocados pela seca e miséria, tão bem retratados neste poema de 1955, foram substituídos por outros tipos de deslocamentos geográficos, mas a expectativa de uma vida melhor ainda é um impulso permanente no ser humano. Transposto para o teatro, o poema virou um clássico. Silnei Siqueira assinou montagem lendária em 1965, premiada no ano seguinte no Festival de Teatro de Nancy, na França. Outras produções relevantes se sucederam.    

Décadas depois o auto de Natal mantém a potência temática e a expressividade originais, por conta da bem engendrada combinação entre o texto de caráter social e político de João Cabral de Melo Neto e a inspirada música de Chico Buarque. A sua mais nova versão teatral, com direção de Elias Andreato, é um trabalho que transpira beleza poética ao narrar o percurso ziguezagueante do retirante Severino, um sujeito que, como ele mesmo informa no início de maneira peculiar, “tem o mesmo nome, a mesma cabeça grande e o mesmo destino trágico do sertão: morrer de emboscada antes dos vinte anos, de velhice antes dos trinta e de fome um pouco a cada dia.”

Escorado em versos secos, cortantes e sonoros, escritos em linguagem regionalista, acompanha o percurso do protagonista do sertão pernambucano até o litoral de Pernambuco, guiado pelo rio Capibaribe. Nesse trajeto por paisagens inóspitas, a presença de situações de morte, pobreza e subnutrição é constante.  Mal começa a jornada e ele se depara com homens conduzindo um defunto na rede, morto em uma cilada. Mais adiante e a cantoria de uma novena, em reverência a um falecido, desperta a sua atenção.

Coeso e vibrante, o espetáculo é nutrido por cenas de forte intensidade. Ao tentar ocupação em uma pequena vila, Severino é informado pela mulher da janela de que suas habilidades com a terra não servem de nada. Só quem trabalha com ofícios ligados à morte, e há muitas ali, consegue sobreviver. Em passagem pungente, ele presencia o funeral de um lavrador, um número musical desenhado como um manifesto dos oprimidos. Em seu destino final, resignado, descobre que o cenário não é mais a terra seca e sim o mangue, também espaço de carências e indigências - retirantes enlameados caçam caranguejos. O suicídio passa ser uma possibilidade. Uma das chaves de entendimento da narrativa é a conversa que ele trava com um morador local, subitamente interrompida pelo anúncio do nascimento de uma criança, em clara alusão ao advento de Jesus. Trata-se de uma nova vida que teima em surgir em meio à tanta escassez, sofrimentos e mortes.

Na encenação, Andreato mantém a natureza coral da obra e valoriza as diversas camadas da história, o encanto dos versos, os diálogos milimétricos reveladores e a riqueza dos personagens. Em momento algum despeja rodeios e ingredientes supérfluos à montagem. A abordagem é sofisticadamente minimalista.

Não existe discrepância no elenco formado por treze atores e cinco músicos. A naturalidade da locução, em sentido contrário à reles declamação das palavras, e a assimilação de cada um sobre os papéis representados elevam o patamar da mis-en-scène. Dono de voz pujante, cumplicidade com a plateia e emoção calibrada, Dudu Galvão é tocante na pele de Severino. Badu Morais incorpora a mulher da janela derramando autenticidade e paixão. Jana Figarella aciona energia e teatralidade na cena do funeral. Os coveiros vividos pelos competentes atores João Pedro Attuy e Raphael Mota transpiram ironia em suas falas. As atrizes Patrícia Gasppar e Andréa Bassitt são insinuantes na composição das ciganas. Jonathan Faria, o Mestre Carpina, é uma figura proeminente e dá credibilidade em seu momento. Os demais intérpretes oferecem bons desempenhos e são afeitos ao território poético. 

Percebe-se uma produção esmerada. A equipe criativa captura o sentido do que é contado e expressa no palco todas as sutilezas e nuances da peça. Os adequados figurinos de Fabio Namatame e a luz lírica de Andreato e Júnior Docini transportam o espectador para o calor e as geografias do semiárido nordestino e do mangue. Na direção musical, Marco França modernizou os arranjos originais de Chico Buarque e adicionou discretamente à trilha os cantos melancólicos do vaqueiro dirigidos à boiada. Falecido neste ano, o artista plástico Elifas Andreato criou um cenário marcado por uma enorme circunferência alaranjada, símbolo simultâneo do sol e da lua. 

Bem-sucedido e de vigorosa plasticidade, o espetáculo descreve o cotidiano paupérrimo no sertão e nos mangues de Recife. Vítimas da fome continuam a sina de abandonar seus lares em busca de uma existência mais digna. Não é por acaso que o elemento morte é tratado com desconfortável normalidade por todos. No desfecho, exausto da viagem, Severino vê seus sonhos desmoronarem. No fundo, ele viera de longe seguindo o próprio enterro.   

(Edgar Olimpio de Souza- O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(foto João Caldas)

Avaliação: ótimo

Morte e Vida Severina

Texto: João Cabral de Melo Neto

Músicas: Chico Buarque

Direção: Elias Andreato

Elenco: Dudu Galvão, Andréa Bassit, Badu Morais, Patricia Gasppar, Jonathan Faria e outros.

Estreou: 15/04/2022

Tuca (Rua Monte Alegre, 1.024, Perdizes). Sexta e sábado, 21h; domingo, 19h. Ingresso: R$ 40 a R$ 100. Em cartaz até 26 de junho.

Um barbeiro regressa à sua terra natal, após cumprir quinze anos injustamente em uma colônia penal em outro país. Com nova identidade, e informado sobre o terrível destino de sua família, o determinado Sweeney Todd começa a executar um plano maquiavélico contra o juiz que forjou sua condenação e violou a sua companheira. Em sua reaberta barbearia, no andar superior de uma decadente torteria, ele corta a garganta dos seus clientes e os lança para um moedor. Dona Lovett, proprietária do local e sua cúmplice, encontra uma solução perspicaz para contornar o custo proibitivo da carne.

Fermentado por sangue, assassinatos e perversidades, o enredo é tratado neste musical com leveza e à base de belas canções do produtivo compositor americano Stephen Sondheim. A fábula, que transcorre numa amoral Londres vitoriana, combina horror e humor ao tecer uma análise sombria da natureza humana. A essência do espetáculo, aliás, é explicitada durante a execução da primeira canção, The Ballad of Sweeney Todd, que apresenta um homem aviltado a serviço de um deus cruel e vingativo.

Na ágil e envolvente encenação de Zé Henrique de Paula, atores caminham entre mesas, a centímetros dos espectadores, e a trama se desenvolve em diferentes espaços cênicos. Às vezes a imersão, que encapsula o público nos terríveis atos a que testemunham, parece claustrofóbica, mas esta dinâmica age a favor da mis-en-scène. A demolição do molde convencional de se contar uma história não impediu a reverência ao livro O Colar de Pérolas (1846), dos britânicos Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer, que inspirou a obra escrita pelo romancista inglês Hugh Wheeler, com letras e canções de Sondheim. O diretor sublinhou o espírito intenso e estranho do teatro Grand Guignol, pautado por sua violência gráfica e tipos amorais. E criou sequências de forte impacto, como o coral de cenas simultâneas na abertura do segundo ato, pontuado por flashes de luz vermelha que inundam o ambiente a cada freguês despachado na barbearia.    

Uma das razões da bem sucedida montagem é o efeito de contraste que mobiliza os eventos. Uma canção com tons de epifania de Todd é imediatamente seguida por outra na qual os protagonistas usam trocadilhos sobre possíveis novos sabores de torta. Momentos de maior tensão, como a hora em que barbeiro se prepara para barbear o juiz Turpin, são definidos com melodias mais líricas. Uma caixa de lâminas de barbear é manipulada sob acordes sentimentais.  

Tanto na interpretação desafiadora do complexo repertório, quanto na composição dos personagens, o elenco entrega eficiência. Cada ator imprime suas personalidades aos seus respectivos papéis, formando uma máquina bem azeitada. Rodrigo Lombardi habita Todd com aparente contenção física, delineando um sujeito enraivecido que luta contra um sistema judicial degenerado. Andrezza Massei se revela assustadoramente cômica no desenho da despudorada Dona Lovett, que assume vender as piores tortas de Londres e descobre a chance de revitalizar a atividade ao não desperdiçar o corpo dos cadáveres.

Como o típico vilão, o agressor sexual Turpin é encarnado com estudada rigidez por Guilherme Sant’anna. O braço direito do juiz, também um tipo repugnante, ganha vida na atuação convincente de Gui Leal. Na pele de Tobias Ragg, uma criança de rua órfã em processo de perda de inocência, Mateus Ribeiro exibe performance comovente e perturbada. Amanda Vicente irradia potência na representação de uma mendiga, uma mulher misteriosa que tenta convencer os outros de que há coisas estranhas acontecendo no interior da loja de tortas.  

O marinheiro idealista Anthony Hope e a cândida Johanna, moça mantida em cativeiro pelo tutor, são os dois jovens amantes, um oásis de doçura em meio às atrocidades. Dennis Pinheiro e Caru Truzzi emanam química e sinceridade em seus desempenhos. Pedro Navarro se desincumbe com naturalidade do charlatão Pirelli, vendedor de um falso tônico capilar que se torna a primeira vítima de Todd – há um número musical delicioso entre os dois rivais. O ensemble transpira rendimento solar e valoriza a produção.

A mesma coesão e energia se aplica à orquestra, regida por Fernanda Maia, também diretora musical. Os músicos capturam habilmente o espírito dramático da ação. O desenho de luz de Fran Barros, o visagismo de Dhiego Durso e Feliciano San Roman e os figurinos de João Pimenta adicionam qualidade.  

A peça desembrulha algumas questões instigantes. Alijado de sua família por Turpin, o barbeiro é vítima de um homem empoderado pela lei que se vale da aparência de juiz respeitável conferido pelo cargo que ocupa. Por sua vez, Todd também se corrompeu ao se tornar uma espécie de vingador moral, uma figura tragicamente monstruosa. O texto também explora vários ângulos do amor. O personagem-central não esquece de sua ex-mulher, mesmo acreditando estar morta há muitos anos. Johanna e Anthony Hope se entregam de coração puro um ao outro. O juiz exercita uma percepção deturpada da afeição ao manipular a menina adotada. Dona Lovett mantém ternura cega por Todd, sonhando com o ideal da felicidade conjugal. A devoção da criança órfã por Dona Lovett, que externa o seu lado maternal, também é uma forma de apego filial. Amor e bestialidade podem caminhar paralelos.       

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Stephan Solon)

Avaliação: Bom

Sweeney Todd – o Cruel Barbeiro da Rua Fleet

Texto: Hugh Wheeler, adaptado do livro O Colar de Pérolas, de Thomas Peckett Prest e James Malcom Rymer

Letras e Músicas: Stephen Sondheim

Direção: Zé Henrique de Paula

Elenco: Rodrigo Lombardi, Andrezza Massei, Mateus Ribeiro, Guilherme Sant’anna, Dennis Pinheiro, Caru Truzzi e outros.

Estreou: 18/03/2022

033 Rooftop (Complexo do Shopping JK. Av. Juscelino Kubitschek, 2041, Itaim Bibi). Sexta 21h30, sábados 16h e 20h30, domingos 18h. Ingressos: R$ 75 a R$ 220.Em cartaz até 05 de junho.  

Uma ministra de Estado pode estar prestes a trocar de lado. Uma grávida receia dar à luz. Uma jovem não encontra um propósito na vida. Um cientista se tornou profeta do apocalipse ambiental. Nesta operística peça escrita em 2010 pelo dramaturgo inglês Mike Bartlett, o chão treme e o mundo caminha para o precipício. Resultado de abuso e negligência irrecuperáveis, o planeta se encontra condenado pelas mudanças climáticas, aquecimento global, corrupção corporativa, embate entre meio ambiente e economia, relação despedaçada entre irmãos, pais e filhos, marido e mulher.  

A fábula de advertência é intencionalmente excessiva no palco, como pleiteado pelo autor, e o público acompanha a trajetória de três gerações de uma família problemática, com início no mítico ano de 1968 até um futuro longínquo. Não se engana quem pensou em Love, Love, Love, também de Bartlett, contundente crítica à geração baby boomer, aquela que teria substituído o futuro de seus descendentes por interesses de curto prazo.

A trama peculiar, assinada por Marco Antonio Pâmio, combina questões pessoais e públicas e é movimentada por criaturas açoitadas por traumas, medos, fraquezas e escapismos. O prestigiado intelectual Rubens Kramer, que despontou no meio acadêmico no final dos anos 1960 ao disparar vários alertas sobre a gravidade ambiental da emissão de carbono das aeronaves na atmosfera, acabou aliciado pela indústria aérea na década seguinte. Hoje residindo em outro país, virou uma espécie de porta-voz do armagedom, chamando a atenção para a crise climática e o excesso populacional da Terra. Ele também se afastou de suas três filhas, que continuaram vivendo na mesma metrópole após a morte da mãe.

O contraste entre as irmãs é claro, às vezes um pouco desajeitado e nauseante. A mais velha, Sara, atua no governo de coalizão e sofre assédio de tubarões de companhias aéreas - curiosamente, ela enfrenta tentações similares às de seu pai. Ao mesmo tempo, luta para manter seu casamento com um marido desempregado, que parece ter perdido o desejo pela vida após a demissão. A do meio é Maya, que espera um bebê e tem pulsões suicidas. Ela nutre sérias dúvidas sobre a conveniência de parir uma criança em uma época ecologicamente hostil. Solitária, perambula pela cidade acompanhada de um ser imaginário, enquanto o seu transtornado companheiro investiga o paradeiro do sogro. A caçula Yasmin, uma estudante hedonista que faz strip performático, distribui drogas e pratica sexo livremente, não sabe o que quer ser ou fazer.

O cardápio de temas, os grandes choques e o clima de suspense atraem o espectador, que deve se preparar para uma estrutura narrativa anárquica. Histórias simultâneas, uma multidão de tipos e piruetas no tempo oferecem um grau de dificuldade para a compreensão de todas as conexões do enredo. Em um momento estamos no contexto da realidade, em outro no interior da mente de alguém, de repente música e dança surreais irrompem no caminho. No desfecho pouco consistente, uma veia melodramática emerge, encarnada em um messias que surge para salvar a humanidade.  

A direção manipula com dinamismo o atulhado conteúdo e sua carcaça de cenas curtas, evitando que se torne um pastiche de estilos e assuntos. O texto teve sequências extraídas para não extrapolar em sua duração, mas a montagem não chegou a ser irreparavelmente afetada. A encenação segue um fluxo suave e o perfil dos principais personagens se revela bem delineado. Pâmio contorna de maneira satisfatória a barreira de sobrepor concomitantemente quatro planos da história, um para cada irmã e o pai. As passagens de devaneio são divertidas, incluindo a recriação de nado sincronizado e um balé protagonizado por uma trupe caracterizada de mães que carregam bebês envoltos em panos.

O copioso elenco reunido, trinta intérpretes, é uniforme e bem orquestrado para executar sem sobressaltos as mudanças de tempo, local e circunstâncias. Com pontuais exceções, os atores são verossímeis em seus papéis e evoluem de forma detectável.  Luiz Guilherme faz do cientista um sujeito de quem seria fácil não gostar, porém a impressão é desfeita mais à frente. Seu desempenho forte valoriza a figura desse homem racional e um tanto maçante. Na pele da arrogante Sara, que gosta de seu status ministerial e tem sua moralidade posta à prova, Virginia Cavendish traz calor para um papel complicado, equilibrando-se entre o pragmatismo de precisar tomar decisões importantes e as pelejas pessoais para dar sobrevida ao seu relacionamento. Paloma Bernardi, que encarna Maya, exala a angústia de uma mulher sob pressão e delírios. Yasmin é desenhada com expressividade calculada por Bruna Guerin, que transmite o prazer e o desatino de suas atitudes.   

Fernando Pavão compõe um tocante retrato do infeliz marido de Sara. cuja confiança foi destroçada pela ascensão profissional da esposa e agora tenta descobrir uma nova identidade. Giovani Tozi é incisivo e determinado ao dar vida ao marido de Maya. Com elegância e porções de cinismo, Iuri Saraiva impulsiona o empresário manipulador e sem escrúpulos. Os demais, entre eles Martha Meola, Vinicius Oliveira, Angélica Prieto e Lara Hassum,  potencializam suas presenças entregando energia e entusiasmo.   

A equipe criativa contribui para os acertos do espetáculo. As orgânicas coreografias e direção de movimento são de Marco Aurélio Nunes. O design de som de Gregory Slivar, inflamado por canções e efeitos sonoros, é envolvente. A iluminação de Wagner Antônio auxilia no arranjo dos diferentes cenários da história. A minimalista cenografia - quatro grandes cubos metálicos vazados, deslocados continuamente pelo espaço cênico - é subscrita por Duda Arruk. As vibrantes projeções de videomapping são da dupla André Grynwask e Pri Argoud. Os figurinos de Fábio Namatame se adequam ao espírito da peça.    

Bartlett articula uma mistura extravagante de conteúdos sociais e políticos, drama familiar e ficção científica. Ele usa o teatro para construir sua fantasia apocalíptica sobre o destino do gênero humano. Somos sete bilhões de pessoas, num planeta que deveria comportar bem menos, mas estamos mais sozinhos do que nunca. À certa altura um personagem afirma que a Terra sabe o que quer. “Ela quer se livrar de nós”. Terremotos parece um conto de terror.  

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Everton Amaro)

Avaliação: Bom 

Terremotos

Texto: Mike Bartlett

Direção: Marco Antônio Pâmio

Elenco: Virginia Cavendish, Paloma Bernardi, Bruna Guerin, Luiz Guilherme, Giovani Tozzi, Fernando Pavão, Iuri Saraiva e outros.

Estreou: 05/03/2022

Teatro do Sesi (Avenida Paulista, 1313, Cerqueira Cesar). Quinta a sábado, 20h; domingo, 19h. Ingressos gratuitos. Reservas pelo Meu Sesi (www.sesisp.org.br/eventos). Em cartaz até 12 de junho.

Ao escrever esta deliciosa e descontraída comédia, Molière sentiu desabar sobre sua cabeça um mundo de críticas. Rotulada de obscena e vulgar, incomodou a hipócrita sociedade francesa de 1662. Exatos 360 anos depois, o texto do dramaturgo francês, mestre na maneira satírica como observa os costumes da época, continua demolidor, como prova a boa montagem dirigida por Clara Carvalho e protagonizada por Brian Penido Ross.

Nesta peça pontuada de reflexões sobre o sentimento humano, ele interpreta Arnolfo, um sujeito de meia idade e especialista em manter romances com mulheres casadas. Como conhece todas as artimanhas que elas armam para enganar os seus maridos, Arnolfo acha que pode fraudar a realidade ao adotar uma garota de quatro anos, isolá-la em um convento e prepará-la para um casamento seguro com ele. Ao atingir a maioridade, Inês (Gabriela Westphal) é uma moça ingênua e sem malícia, mas não imune aos encantos do jovem galanteador Horácio (Ariel Cannal). Em se tratando de Molière, a estratégia de Arnolfo de blindar uma mulher contra as pulsões do amor e do sexo é um prazeroso mote para uma comédia impiedosa sobre a queda de um homem tolo o suficiente para duelar contra a natureza e o bom senso.

A diretora Clara Carvalho traduziu e adaptou os versos alexandrinos originais, fazendo os cortes necessários. Com isso, imprime fluidez, leveza e agilidade à história, deixando-a escorrer ao sabor de seus muitos eventos. Conseguiu bom resultado do elenco. Brian Penido Ross, com larga experiência no Grupo TAPA, faz um Arnolfo com todas as nuances, injetando-lhe as características de hábil, artificioso e velhaco. Ariel Cannal (Horácio) e Gabriela Westphal (Inês) convencem como o casal apaixonado, remetendo a um Romeu e Julieta com final feliz. Nos papéis dos dois criados do personagem central, Rogério Pércore (Alain) e Vera Espuny (Georgette) formam uma dupla que intervém sempre de maneira hilária. A introdução do personagem Cupido (Felipe Souza), inexistente no original, confere um caráter onírico à montagem. Fúlvio Filho imprime sabedoria e elegância ao seu Crisaldo. Completam o elenco Luiz Luccas (Henrique) e Leandro Tadeu (Oronte), em intervenções corretas.

A produção é primorosa, tendo Clara se cercado de um time de primeira linha. Chris Aizner criou um ambiente funcional, emoldurado por belíssimos telões. Nota-se bom trabalho de pesquisa nos figurinos da sempre competente Marichilene Artisevskis. Os atores circulam com desenvoltura graças à direção de movimento de Guilherme Sant´Anna. As canções interpretadas pelo elenco têm letra e música de Gustavo Kurlat, que também assina a direção musical. Tudo isso iluminado pelo bonito desenho de luz de Wagner Pinto.                                                                                                                             

É bom lembrar que Molière se inspirou nele mesmo para falar da alma do personagem ridículo. Quando escreveu a peça, sua situação era idêntica. Com quase cinquenta anos. casou-se com uma jovem de dezoito, Amanda Bejart, que o traía. Ferido pelo ciúme, colocou Arnolfo frente a uma ingênua. O humor do autor superou o próprio egoísmo. Na peça, Inês prefere o jovem desconhecido ao velho protetor. O autor permite que se ria de Arnolfo à custa de seu próprio enredo. Mas, certamente, a máscara ridícula de Arnolfo ocultava seu rosto banhado em lágrimas.

(Foto: Ronaldo Gutierrez)

(Vinicio Angelici - O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

Avaliação: Ótimo

Escola de Mulheres

Texto: Molière

Direção: Clara Carvalho

Elenco: Brian Penido Ross, Gabriela Westphal, Ariel Cannal, Fulvio Filho e outros

Estreou: 15/01/2022

Teatro Aliança Francesa (Rua General Jardim, 182, Vila Buarque. Fone: 3572-2379). Quinta a sábado, 20h, domingo, 18h. Ingresso: R$ 60. Compra Online: www.sympla.com.br/teatroaliancafrancesa. Em cartaz até o dia 27 de março.