Estrelado por George Clooney e Júlia Roberts, o filme joga o espectador no terreno especulativo, envolvente e pouco transparente de Wall Street, o coração financeiro da cidade de Nova York. Com direção de Jodie Foster, o longa combina de maneira inteligente temas urgentes como terrorismo, sensacionalismo midiático e descrença econômica. Três personagens centrais dão vida ao enredo. Clooney vive Lee Gates, um cínico e subserviente apresentador de um programa televisivo especializado em análises financeiras. Trata-se de Money Monster, um extravagante show que, na ânsia de contornar a aridez do assunto, entrelaça informações e dicas de ações com garotas de biquíni, piadas forçadas e efeitos especiais vulgares. Como espécie de mestre de cerimônias, Gates chega a se fantasiar de boxeador ou usar chapéu de Tio Sam, entre outras bizarrices. Interpretada por Júlia, a produtora Patty Fenn comanda dos bastidores essa miscelânea. Ambos sabem que o público de hoje precisa digerir notícia embalada num formato de entretenimento barato. 

A terceira figura é Kyle, vivido por Jack O´Connell. Descontrolado e desesperado, portando revólver e dois coletes recheados de explosivos, ele invade os estúdios de gravação no momento em que mais uma edição está em curso. Por ter seguido uma recomendação do guru das finanças, acabou perdendo todo o seu dinheiro na aquisição de ações de uma empresa – um inusitado colapso nos computadores torrou, da noite para o dia, US$ 800 milhões do estoque financeiro da tal companhia. Como não está disposto a arcar sozinho com o prejuízo, quer respostas críveis não só do fanfarrão Gates como do inescrupuloso magnata da corporação Walt Camby (Dominic West) que, curiosamente, tomou chá de sumiço durante a crise.

A radical atitude do rapaz transforma a narrativa, que vira um jogo angustiante de espera e esperteza. Enquanto o invasor mantém a vida do showman sob a mira de uma arma, a produtora tem de descobrir o paradeiro do executivo desaparecido e escarafunchar a geopolítica do escândalo.  Aos poucos, os fios do enredo vão se conectando e os protagonistas revelando sua natureza. Gates parece mais um charlatão, embora lentamente adquira consciência de seu papel nessa engrenagem. Patty não se abala um segundo em colocar de pé esse circo de horrores. Kyle é a típica vítima dos predadores de Wall Street.

A obra desembrulha questões importantes, mesmo que de forma um tanto simplista e se valendo de cacoetes típicos do cinema de suspense e investigação de Hollywood - numa improvável reviravolta no roteiro, por exemplo, os personagens desembarcam nas ruas de Nova York para um acerto de contas. São discussões bem atuais, como o comportamento nocivo do mercado financeiro, os cambalachos das corporações, o despudor de uma mídia transformada em reality show, o hábito bovino do público de acompanhar eventos midiáticos como se fosse uma novela. É sintomático observar as audiências que se formam em bares, cafés e encontros familiares para assistir aos desdobramentos desse folhetim absurdo.

A direção extrai o máximo de interesse das situações, trabalha com segurança as cenas de tensão ambientadas no set televisivo e concede ao vilão um discurso que o faz angariar solidariedade e atenção popular. Embora não revele grandes surpresas, a trama funciona como sátira à corrupção de um sistema capitalista sem freios, que parece programado para enriquecer os já ricos e empobrecer cada vez mais os pobres. A rigor, o fantasma da crise financeira que ainda sacode o mundo continua assombrando demais e há um sentimento de desencanto no ar. Não por acaso, o título da atração televisiva é Money Monster. Ironia pura.

(Emerson Rossi – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )    

(Foto Divulgação)

Avaliação: Bom

Jogo do Dinheiro

Título Original: Money Monster (EUA, 2015)

Gênero: Suspense, 99 min

Direção: Jodie Foster

Elenco: George Clooney, Julia Roberts, Jack O´Connell e outros

Estreou: 26/05/2016

Veja trailer do filme:

Muito comparado ao épico do jornalismo investigativo Todos Os Homens do Presidente (1972), este guarda uma diferença fundamental: enquanto lá nos anos 1970 aquele longa tinha um ar documental e paradigmático do tempo ainda forte do Jornalismo, aqui o premiado Oscar de Melhor Filme transmite uma atmosfera de fim de época.

O filme inicia com a chegada de um novo editor, Marty Baron (Liev Schreiber), ao jornal Boston Globe num diálogo com chefe da equipe investigativa chamada Spotlight, Walter Robinson (Michael Keaton). Há o medo da demissão e a preocupação da perda de leitores para a Internet. Sua missão é tornar o jornal “essencial para os leitores locais”. Baron torce o nariz ao saber que a equipe Spotlight demora meses para encontrar uma nova pauta e está preocupado com a perda dos classificados do jornal.

“Ele é judeu, não é casado e odeia beisebol”, como jocosamente comentavam os repórteres nos bastidores sobre o novo editor que claramente está ali para tentar salvar o Boston Globe diante dos novos tempos do século XXI.

A redação do jornal é formada essencialmente por jornalistas que cresceram, estudaram e vivem na cidade onde o tema das rodas de conversas goram em torno do último jogo da temporada de beisebol ou sobre a consulta médica de um amigo. Baron sabe que esse provincianismo é uma barreira para o novo tempo global que a Internet prenunciava no início do século - a história se passa em 2001.

E ele confronta a referida equipe com uma pauta que fora desprezada pelo jornal e que precisa ser retomada: a velha história de um padre (John Geoghan) sobre quem se multiplicam acusações de abuso infantil e que tem um potencial de se transformar em um escândalo global – os documentos podem revelar um esquema sistêmico da Igreja para acobertar padres pedófilos.

Para jornalistas que vivem em Boston e que cresceram com grande deferência à Igreja Católica, levar esse tema às últimas consequências é assustador: “Você que processar a Igreja?!?!”, exclama assustado um dos editores do jornal.

As representações que Hollywood faz sobre o Jornalismo nas telas sempre foram, no mínimo, ambíguas: os jornalistas são investigativos, ousados e aventureiros, mas também cínicos, inescrupulosos, alcoólatras e arrogantes.

Por isso, o Oscar de Melhor Filme a esse episódio real da revelação do sistemático acobertamento pela Igreja de inúmeros casos de pedofilia deve ser relativizado: com essa premiação Hollywood na verdade tocou um réquiem para o fim de uma era do jornalismo – a crise do jornalismo analógico, local e comunitário substituído pelo digital e global das novas tecnologias. Ironicamente, aquilo que o filme consagra (a lenta e cuidadosa investigação, a precisão e checagem das informações) na verdade é um mundo que deixa de existir justamente pela urgência demonstrada pelo novo editor Marty Baron – paradoxalmente, tornar o jornal “essencial para os leitores locais” é trazê-lo para as pautas do mundo on line onde justamente esses valores jornalísticos que o filme consagra deixam de existir pela velocidade e imediatismo.

Diferente do documentário de 2012, Mea Maxima Culpa: Silence in The House of God (onde Alex Gibney sugeria que o Vaticano manteria registros sobre abuso de crianças por padres desde o século IV), Spotlight muda o foco. A Igreja é representada no longa de forma abstrata como “todo o sistema” e os choques do jornal com a instituição católica são apenas mostrados de passagem.

A narrativa concentra-se mais na questão de como uma comunidade inteira pode tornar-se cúmplice de crimes tão abomináveis. “Se toda a comunidade educa uma criança, toda a comunidade abusa dela”, diz a certa altura o advogado Mitchell Garabedian (Stanley Tucci) cujos clientes enfrentam uma conspiração de silenciamento pelos membros da alta sociedade de Boston.

Spotlight quer mostrar como a própria força do jornal Boston Globe (sua redação formada por jornalistas que nasceram e vivem na própria cidade que lê o jornal) foi a sua fraqueza: silenciosamente a vida na comunidade fez ignorar uma notícia que há muito tempo deveria ter merecido uma primeira página.

O ator-diretor Tom McCarthy parece ter sido o nome certo para o projeto dessa produção: ele é um especialista em personagens outsiders ou estrangeiros – Em O Agente da Estação (2003) um exilado se muda para uma estação de trem abandonada em busca de solidão e se torna o catalisador de mudanças inesperadas. Em O Visitante (2007) um professor tem sua vida inesperadamente mudada quando descobre que em seu apartamento mora ilegalmente um casal de estrangeiros (uma senegalesa e um sírio).

Dessa vez temos um editor judeu e Garabedian, advogado armênio, que no filme são também catalisadores de transformações numa comunidade em que segredos são abafados por festas e confraternizações sociais onde “uma mão lava a outra”. Tudo cimentado ideologicamente pelo fervor religioso e pelas costumeiras missas de domingo. Como se fala em uma linha de diálogo em certo momento, só mesmo estrangeiros vindos de fora daquela cidade poderiam enxergar algo que todos recusavam ver.

Se historicamente Hollywood cria representações no mínimo ambíguas sobre o Jornalismo (com uma tendência ao negativo), devemos levar em consideração essa perspectiva ao analisar o Oscar de Melhor Filme a esta obra. Ela é impiedosa sobre a forma como os jornalistas do Boston Globe foram também envolvidos pelo jogo do “uma mão lava a outra” que manteve por décadas os terríveis segredos envolvendo padres naquela localidade.

Se por um lado podemos considerar Spotlight um trabalho que presta homenagem ao velho jornalismo investigativo tal como em Todos os Homens do Presidente, por outro a ameaça da Internet ao jornal (citada no início do filme) e o paroquialismo e provincianismo que fizeram o periódico perder uma boa história no passado apontam para uma crítica que está latente: o velho jornalismo comunitário e local deve ser substituído pelo jornalismo global, livre das limitações regionais como laços de amizades e familiares.

No final, Marty Baron sentencia a moral da história: “passamos a maior parte do tempo tropeçando no escuro. Uma hora a luz se acende e sobra uma boa porção de culpa para distribuir”. Quem acendeu as luzes foram estrangeiros, solitários e sem laços familiares ou de amizades com aquela comunidade.

O Global se sobrepõe ao Local, no prenúncio do que se tornaria o Jornalismo com a Internet e a Globalização. Nessa perspectiva, o longa é um réquiem a um estilo de Jornalismo que desaparece com a transnacionalização das empresas de comunicação – jornalistas agora “cozinhando” informações enviadas por terminais globais, todos sentados ao invés de gastarem suas solas de sapato e paciência checando dados em arquivos empoeirados. Essa é a ironia do filme premiado pelo Oscar: uma homenagem a um Jornalismo que não existe mais.

(Wilson Roberto Vieira Ferreira, do site Cinema Secreto: Cinegnose)

(Foto Divulgação)

Spotlight – Segredos Revelados

Título Original: Spotlight (Estados Unidos, 2015)

Gênero: Drama / Suspense, 128 min.

Direção: Tom McCarthy

Elenco: Michael Keaton, Mark Ruffalo, Rachael McAdams, Liev Schreiber,  John Slattery e Stanley Tucci.

Estreou: 07/01/2016

Veja trailer do filme:

Na cena de abertura, que irá se repetir no desfecho sob outro ângulo e novos sentidos, duas mulheres bebem chá. Não se ouve nada da conversa íntima, até serem subitamente interrompidas pela aparição de alguém que reconhece uma delas. Há uma estranheza nessa sequência e só saberemos da importância desse encontro após um longo flashback. Baseado na obra de 1952 da escritora americana Patricia Highsmith, que na ocasião assinou com o pseudônimo de Clara Morgan, o longa conquistou seis merecidas indicações ao Oscar. Com narrativa simples, este filme dirigido por Todd Haynes é um delicado romance lésbico ambientado em uma época marcada por excessivo conservadorismo e opressão masculina. 

A trama se desenvolve durante o período natalino em Nova York, no início dos anos 1950. Na seção de brinquedos de uma grande loja de departamentos, Carol (Cate Blanchett) e Therese (Rooney Mara) se conhecem e se flertam. Trata-se de uma ligação imediata, que desperta sem palavras. Carol é uma refinada dama da alta sociedade, mãe de uma filha de quatro anos, prestes a se divorciar do marido rico, o inconformado e arrogante Harge (Kyle Chandler, em consistente desempenho). Therese é a introvertida e entediada funcionária, insatisfeita com o namorado Richard (Jake Lacy, convincente como o apaixonado atônito) e que almeja trabalhar com fotografia. Um par de luvas esquecido sobre o balcão – teria sido de propósito? – servirá de pretexto para a aproximação entre ambas.   

Talvez a paixão e o desejo tenham surgido numa circunstância pouco propícia, porque o envolvimento amoroso não se consumará sem problemas. Especialmente a partir do instante em que elas viajam pela estrada afora, como se fossem fugitivas, dispostas a escapar dos inevitáveis olhares de desaprovação. Therese se atrai pela sofisticação urbana de Carol. Esta, por sua vez, se empolga pela juventude da outra. Em algum instante, no entanto, terão de retornar à vida como ela é, o que significa enfrentar rejeições, encarar dores emocionais e decidir sobre questões urgentes, como a custódia da filha, no caso de Carol, e o futuro profissional, dilema de Therese.   

Estamos diante de um drama conceitual, abordado com genuína sinceridade, que privilegia os sentimentos e não o jogo de intrigas. Nota-se isso, por exemplo, na forma sussurrada como Carol se dirige à Therese, na fotografia de intenções poéticas, no tratamento dramático da luz, no suave hálito melodramático do enredo. Um clima de melancolia paira no ar, os diálogos são elegantes e a música exuberante de Carter Burwell abre espaço para silêncios pontuais.

Com interpretações irrepreensíveis, as duas atrizes formam um dos casais mais memoráveis do cinema nos últimos anos. Cate Blanchett injeta temperamento forte ao seu personagem, oscilando entre explosões furiosas com o marido e declarações afetuosas para sua recente conquista. Na pele de uma jovem assustada e perplexa, Rooney Mara comporta-se com estudada rigidez.

Nesta história de amor proibido e dolorosamente erótico, algumas cenas provocam desconforto. Em uma sala, na presença de advogados, Carol está tentando argumentar e é instada a escolher entre a guarda da sua filha ou a pessoa que quer ao seu lado. Escudado por um caso homossexual da mulher no passado, com a amiga Abby (Sarah Paulson, em performance segura), o marido está firmemente convicto de usar tais episódios contra ela. O longa expõe esse romance homossexual de forma lenta. O casal só chega à intimidade física depois de decorrido mais de uma hora de projeção. Reféns da moralidade sexista daqueles tempos, Carol e Therese buscam respirar num ambiente sem oxigenação. Não à toa elas viveram até ali fingindo ser o que não são.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )   

(Foto Divulgação)

Avaliação: Bom

Carol

Título Original: Carol (Estados Unidos, 2015)

Gênero: Drama, 118 min.

Direção: Todd Haynes

Elenco: Cate Blanchett, Rooney Mara, Kyle Chandler, Sarah Paulson e Jake Lacy.

Estreou: 14/01/2016

Veja trailer do filme:

A família de classe média dos Puccio parecia comum. Eles residiam no bairro nobre de San Isidro, nos arredores de Buenos Aires, e mantinham uma loja de artigos esportivos. O patriarca Arquímedes Puccio pilotava o lar estabelecendo regras severas e encarnava um pai amoroso, que não se furtava a ajudar a filha pequena na lição de casa. O filho Alex estourava como um promissor jogador de rúgbi da Seleção Argentina, que costumava figurar em capas de revistas. Já o primogênito Daniel passava uma temporada na Nova Zelândia. A esposa Epifanía e mais três descendentes completavam o núcleo familiar. O negócio deles, no entanto, era outro. Os Puccio seqüestravam, extorquiam e assassinavam gente abastada, pessoas conhecidas que integravam o seu círculo social. Uma das vítimas, por exemplo, compartilhava da amizade de Alex.

O mais incrível disso tudo é que esta assustadora história aconteceu na realidade e foi parar na tela de cinema, resultando numa envolvente e angustiante obra assinada pelo prestigiado cineasta argentino Pablo Trapero (Elefante Branco/ Abutres / Leonera). Candidata ao Oscar desse ano na categoria de Filme Estrangeiro, esta produção bateu recorde de bilheteria no país vizinho, tendo desbancado o bem sucedido conterrâneo Relatos Selvagens, de Damián Szifron. A ação transcorre durante a restauração da democracia na Argentina, após sete anos de uma brutal ditadura militar. Em 1985, Raul Alfonsín, o primeiro presidente civil, governava uma nação mergulhada em crise econômica, ainda confusa com a saída dos militares do poder e em busca da normalidade democrática. Foi em agosto daquele ano que as atividades criminosas dos Puccios vieram à tona e o bando foi desarticulado.

O frio e contido Arquímedes (Guilherme Francella) comandava as operações. Ex-colaborador dos serviços de repressão dos anos de chumbo, ele agia impunemente porque contava com a proteção de figurões que ainda desfrutavam de poder e da vista grossa da polícia local. A obra deixa entrever esse ambiente de corrupção generalizada, legado da guerra suja, no qual esquemas ilícitos e clandestinos teimavam em subsistir. Arquímedes incorporava o tipo de homem para quem a família deve fazer tudo junto, mesmo que isso signifique cometer crimes. Alex (Peter Lanzani) era o seu braço direito e Daniel (Gastón Cocchiarale), apelidado de Maguila, reforçava o temível grupo, engrossado por mais três comparsas do pai. Os Puccio cobravam resgates em dólares e encarceravam as vítimas no sótão da própria casa, algumas vezes em um cômodo contíguo aos quartos dos filhos.   

O longa se move nessa desconfortável fronteira entre a violência torpe e um cotidiano prosaico. O drama pode ser observado de maneiras complementares. Como um quadro das relações de poder no âmbito de uma sociedade em recuperação, no contexto do fim da ditadura. Ou como um embate familiar, desencadeado por uma criatura que exercia controle implacável sobre toda a sua família, especialmente sobre Alex. Um conflito que revela a psicopatia de um, mascarada pela aparência polida, e a conveniência passiva de outro, inerte diante da sombra da opressão – no desfecho, o confronto ganha corpo num diálogo de conotação trágica, no qual o pai, ameaçado de prisão perpétua, joga na cara do filho que tudo o que ele tem hoje foi obtido graças à ditadura militar.   

Trapero pincela o enredo com espessas tintas realistas. Habilmente ele escapa da narrativa linear, com a inserção ocasional, ao longo do filme, de fragmentos dos episódios protagonizados pelo clã, e se vale do emaranhamento de imagens documentais, como noticiário televisivo e discursos de generais, às sequências de ficção.

O conjunto é palpitante e impregnado de momentos de crueldade psicológica. Até porque os flagrantes dos seqüestros se intercalam, por exemplo, com a rotina de um trivial jantar em família, incluindo oração de agradecimento. E tais instantes violentos são banhados por rock pesado, um recurso pontual do cineasta, que transtorna o espectador aos sonorizar o horror retratado. Uma das passagens mais surpreendentes é uma inesperada tentativa de suicídio, rodada num plano sequência bem executado. Outra tomada sem cortes transcorre no interior do lar dos Puccio, quando Arquímedes caminha carregando uma bandeja de comida – tranquilamente ele avisa à família que o jantar está pronto e só finaliza o percurso na porta do quarto onde um refém se encontra preso e amordaçado. Em outro momento exasperante, cenas de um assassinato e de um casal praticando sexo no interior de um carro se entremeiam.  

Neste filme, há uma visível influência do cinema de Martin Scorsese, de quem Trapero é reverente. O dado comum é a discussão moral, com ênfase nas relações familiares, que emerge da narrativa e lhe dá sentido. No final, os créditos anunciam que nunca se soube exatamente se todos os membros da família tinham total ciência dos crimes e do confinamento das vítimas nas dependências da própria residência. É uma informação perturbadora.

(Edgar Olimpio de Souza)

(Foto Divulgação)

Avaliação: Ótimo

O Clã

Título Original: El Clan (Argentina / Espanha, 2015)

Gênero: Drama, 108 min

Direção: Pablo Trapero

Elenco: Guilherme Francella, Peter Lanzani, Gastón Cocchiarale e outros.

Estreou: 10/12/2015

Veja o trailer do filme: