Um cabaré decadente e esfumaçado serve de ambiente para uma envolvente adaptação musicada de A Revolução dos Bichos (1945), o provocativo e provocador romance do escritor e jornalista britânico George Orwell (1903-1950). Socialista democrático, o autor examina a revolução soviética, numa releitura feroz e satírica sobre o desvirtuamento de seus princípios originais e o papel exercido por algumas de suas personalidades históricas, como Josef Stalin, representado por Napoleão, e Leon Trotsky, simbolizado por Bola de Neve.

Sob arrojada assinatura de Zé Henrique de Paula, a montagem faz uso da estrutura do metateatro para desenvolver o enredo, conduzido por uma trupe de artistas saltimbancos. Com acento circense e recursos do vaudeville, o espetáculo reedita fundamentos caros ao universo dramatúrgico e musical de Brecht e Kurt Weill - interação direta com o público, personagens que espelham classes sociais, a história filtrada pela metáfora e o grotesco crivado pela chave do humor. 

A fábula sombria transcorre em uma fazenda. Insatisfeitos com as más condições em que vivem, os bichos tocam uma insurreição contra o proprietário explorador e o expulsam da Granja do Solar, agora rebatizada Granja dos Bichos. Líderes do motim bem sucedido, os porcos Napoleão, Bola de Neve e Gogó engendram o Animalismo, um sistema de pensamento escorado na minimalista sentença “quatro pernas bom, duas pernas ruim”. Uma nova bandeira é perfilhada e um hino composto, cuja letra realça ideais de igualdade, liberdade e solidariedade. O ímpeto revolucionário, no entanto, acaba sendo gradualmente revertido. Intelectualmente ardilosos, os suínos começam a abraçar privilégios que anteriormente condenavam. Napoleão aplica um golpe no companheiro de luta, assume o poder absoluto e passa a reprimir violentamente os opositores. Com comida de menos e trabalho de mais, os animais são diariamente doutrinados pela propaganda e instados a cultuar a imagem do autocrata. 

Dinâmica e imaginativa, a direção se aproveita da narrativa da repressão política e policial e a manipulação da subjetividade, temas de fundo da obra, para fincar pontes e nexos com a realidade política brasileira. O exílio de Bola de Neve, por exemplo, é em Curitiba. Líderes não têm provas, mas convicções. Em solo musical, um porco faz gestos de armas com as mãos. Episódios como os de Brumadinho e Mariana e a lembrança do assassinato de Marielle são ecoados em cena. Nesta versão, nem todas as criaturas da fazenda ganharam corpo e voz, mas as que circulam pelo espaço condensam e traduzem fielmente o sentido e a essência do livro. E a montagem delineia uma surpresa, ativada pelo surgimento pontual de uma figura basilar (Rodrigo Caetano, em pulsante desempenho) extraída do clássico 1984, do mesmo autor.   

Em clima de festa e dissipação, e afinado com a música e a interpretação, o elenco homogêneo se desdobra em oito personagens, ora povoando o diminuto palco ora transitando entre mesas, sofás e cadeiras. O dispositivo cênico simples e funcional de Cesar Costa exprime simbolicamente um cabaré berlinense, onde se bebe, come, dança e se assiste shows. Quem pilota a casa é um sarcástico Mestre de Cerimônias, vivido com especial malícia e desembaraço por Zé Henrique de Paula (substituto de Pedro Silveira, de atuação contagiante). Em representação robusta, Dennis Pinheiro dá vida à Napoleão, o porco opressor que adota comportamento humano, como dormir em camas e fumar cachimbos. Flávio Bregantin imprime relevo na composição de Bola de Neve, defensor da estratégia de espalhar a sublevação para outras propriedades da região. Gogó, porta-voz que vive justificando as regalias e impulsos autoritários do chefe, transpira viscosidade na criação de Fernando Lourenção. Dono de boa presença cênica, Daniel Cabral interpreta um cavalo devotado à causa revolucionária, fadado a um destino trágico. Em correta medida, Bruna Guerin e Amanda Vicente (éguas) e Fabiana Tolentino (cabra) se projetam em seus respectivos papéis, preenchendo-os de impulso, vitalidade e despojamento.   

A equipe criativa tonifica o trabalho. Fran Barros concebeu um desenho de luz que instaura diferentes atmosferas tanto para as passagens da fábula orwelliana quanto para os números musicais dentro do cabaré. Zé Henrique de Paula produziu figurinos que não plagiam os animais, mas ilustram as suas personalidades. A diretora musical Fernanda Maia, que rege a irradiante orquestra, compôs belas canções originais que ajudam a avançar e comentar a trama. As coreografias de Gabriel Malo e a direção audiovisual de Laerte Késsimos são competentes.

Orwell acreditava que as revoluções tinham o condão de mudar o poder de mãos, porém, sem transformar seus alicerces sociais básicos. Parece que estamos irreversivelmente fadados à sina de, independentemente do espectro político, termos uma casta de poucos poderosos a explorar uma maioria sem direitos. No enredo fabular, que num ângulo mais amplo esquadrinha a gênese dos regimes totalitários, o desejo de comunhão e liberdade é gangrenado pela ambição e o domínio alcançados pelos porcos.

As diferenças entre humanos e os porcos governantes se esfarelam ao longo dos anos. Os animais da granja já não sabiam mais distinguir quem andava de quatro pernas e quem tinha duas. Orwell certamente leu Esopo - em suas fábulas morais, o escritor da Grécia Antiga exibia humanos animalizados e animais humanizados. O último mandamento da granja, após o torpe apagamento dos anteriores, é paradigmático. “Todos os animais são iguais, mas alguns animais são mais iguais do que os outros”. A utopia virou distopia.

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(Foto Ronaldo Gutierrez)

Avaliação: Ótimo

Cabaret dos Bichos

Dramaturgia, Letras e Direção: Zé Henrique de Paula, a partir do romance A Revolução dos Bichos, de George Orwell

Música Original e Direção Musical: Fernanda Maia

Elenco: Amanda Vicente, Bruna Guerin e Luci Salutes (alternantes), Dan Cabral, Dennis Pinheiro, Fabiana Tolentino, Flávio Bregantin, Fernando Lourenção e Pedro Silveira.

Estreou: 23 de maio

Núcleo Experimental (Rua Barra Funda, 637, Barra Funda). Segunda e terça, 21h. R$ 30 (ingressos vendidos pelo Sympla). Em cartaz até 5 de julho.

O que é a culpa e como mensurá-la? Nesta instigante obra do dramaturgo suíço Friedrich Dürrenmatt, que recebeu inspirada adaptação teatral assinada por Malú Bazán, a questão se infiltra na cruel trajetória do personagem central, que carrega uma transgressão gravada na alma mesmo que não saiba efetivamente qual seja. O fato, porém, é que ele precisa assumir a responsabilidade por suas ações, afinal, pode ter existido um desejo consciente por trás de tudo.

Publicado em 1955, o instigante conto ganhou versão para rádio, foi transposto para o teatro e migrou para a televisão e cinema. A trama brota quando o jaguar dirigido pelo representante comercial Alfredo Traps sofre pane mecânica num vilarejo suíço. Como os hotéis da região estão lotados, ele se hospeda na isolada mansão de um ex-juiz. Além do anfitrião, três amigos dele estão ali presentes - um promotor, um advogado de defesa e um que tardiamente descobrimos ter sido um carrasco. Todos construíram carreiras vitoriosas em suas respectivas atividades e dominam os labirintos sinuosos do direito. Hoje estão aposentados e cultivam o singular hábito de se reunirem todas as noites para reencenar processos judiciais dos quais participaram. Se não há um convidado especial para o entretenimento, eles teatralizam julgamentos históricos, como os de Sócrates, Jesus e Joana d'Arc. 

Para não parecer ingrato com quem o abrigou e por achar a proposta divertida, o visitante aceita encarnar o papel de réu. Em meio a muita comida e garrafas de vinhos finos, ele é encorajado a discorrer sobre sua vida pregressa. Traps foi um garoto pobre que ascendeu socialmente, mas logo admite que nem sempre agiu corretamente. A partir de seu relato, acaba sendo facilmente manipulado pelo promotor e até por seu advogado de defesa, que reinterpretam e distorcem a sua história de forma ardilosa. O viajante passa a desenvolver uma culpa presumível – alguns atos e condutas cometidos por ele são usados e tornados verossímeis para associá-lo à morte de seu chefe.  

O inusitado nessa dramaturgia salpicada de mordacidade consiste em observar que o hóspede se envaidece ao ser visto como executor de um crime psicologicamente criativo, realizado sem armas ou violência física, que se não fosse o processo judicial em andamento jamais viria à tona. Mesmo reputando-se inocente, cai na tentação de assumir sua culpa e se lambuzar da atenção e respeito daí decorrentes.  

A direção concebeu uma montagem simples e despojada, centrada na potência da retórica, no sutil desenvolvimento narrativo e no desempenho apurado do elenco. A encenação sublinha as notas de suspense e a comicidade nas entrelinhas, expandindo o sentido do jogo de xadrez verbal - a cenografia de Malú Bazán e Anne Cerutti (também responsável pelo figurino, composto por ternos e casacas) sugere um tabuleiro e a existência de uma escada infinita remete à intrigante criação Relatividade, do artista gráfico holandês Escher. 

Nesta arena banhada pela luz correta de Wagner Pinto e música original de Dan Maia, a experiente trupe reunida empresta sua técnica e sensibilidade aos personagens. Com ar fanfarrão, Oswaldo Mendes representa o juiz que pilota o passatempo grotesco e equaliza a batalha entre o promotor e o defensor, um duelo que rende bons momentos no palco. Antonio Petrin aciona a sua conhecida força expressiva na pele do promotor propenso a quebrar regras segundo suas conveniências. O advogado de defesa ganha tempero dissimulado na composição de Roberto Ascar. Heitor Goldflus modula a figura ameaçadora do ex-verdugo que se encarregava das execuções da pena de morte. Cesar Baccan inocula veracidade ao inocente Traps, uma criatura de dimensões dolorosamente trágicas. O mordomo é vivido com bom humor por Marcelo Ullmann - são prazerosas as passagens em que ele chega a soprar o script para os colegas. 

A perversão do conceito de justiça, o significado da lei e para que e quem ela serve é um tema recorrente no repertório de Durrenmatt. Em um de seus textos mais famosos, A Visita da Velha Senhora (1956), uma mulher rica e vingativa regressa para sua antiga cidade natal e oferece aos residentes uma quantia vultuosa em troca da morte do homem que a ludibriou no passado.

Aqui, o dramaturgo trafega numa linha mais irônica ao abordar o avesso da capa de respeitabilidade do sistema judiciário. “Não estamos mais presos a formas, protocolos, leis e todo o entulho inútil dos tribunais”, como confessa sem pruridos o juiz. É possível afrontar a lógica e se atribuir um crime a alguém sem maiores complicações. Para tanto, basta transformar uma narração bem-sucedida em um dispositivo de poder. Em O Processo, o célebre romance de Franz Kafka, Joseph K. acreditava que qualquer mal-entendido a seu respeito seria elucidado, porém seus esclarecimentos se tornam inúteis porque ninguém sabia a razão de sua detenção. O título da peça guarda uma dubiedade. A pane pode tanto se referir ao mal funcionamento do automóvel quanto à devastação mental que Traps sofreu durante a espúria sessão, controlada por cavalheiros que montaram uma armadilha sob a aparência de uma reles brincadeira. Durrenmatt tece um retrato assustador de uma sociedade em colapso moral.   

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Rogério Alves)

Avaliação: Ótimo

A Pane

Texto: Friedrich Dürrenmatt

Direção: Malú Bazán

Elenco: Antonio Petrin, Cesar Baccan, Heitor Goldflus, Marcelo Ullmann, Oswaldo Mendes e Roberto Ascar.

Estreou: 14/01/2022

Teatro Faap (Rua Alagoas, 903, Higienópolis). Sexta, 21h; sábado, 20h; domingo, 18h. Ingresso: R$ 60 a R$ 80. Em cartaz até 12 de junho.

O ano foi catastrófico para o fazendeiro Samuel e sua esposa Jude no nicho rural inglês com ar checoviano onde moram. Provavelmente eles não vão conseguir cumprir a meta anual de produção agrícola que lhes foi designada pelo governo atual. Raposas podem estar na raiz do fracasso na colheita, assim como são presumivelmente responsáveis por outros males da humanidade, segundo o regime. Não bastasse a tragédia em curso no campo, ambos ainda enfrentam o luto da perda à primeira vista acidental de uma criança.

Um temido foxfinder se encontra a caminho da propriedade. William é o oficial do Estado, treinado desde a infância por um sombrio instituto para rastrear raposas, identificar terrenos infectados por elas e apanhar os cúmplices desses canídeos - por sinal, Jude recebeu de uma moradora local um panfleto subversivo que desmistifica a farsa tramada por quem detém o poder. Se os bichos forem descobertos, a fazenda será fechada e o casal conduzido para trabalhar em fábricas onde a expectativa de vida não supera três anos.

Na fábula distópica da dramaturga inglesa Dawn King, que recebeu inspirada montagem assinada por Walyson Mota, estes seres são bestas míticas com poderes sobrenaturais para corromper as pessoas e dominar suas consciências. Não se engana quem pensou na peça As Bruxas de Salém, de Arthur Miller. À medida que a investigação de William avança, segredos e fatos incômodos dos anfitriões começam a brotar. Tal é a histeria que até mesmo a vida sexual de Samuel e Jude está em análise, o que coloca em risco o relacionamento deles. 

A direção articula com desembaraço a alegoria fantasiosa do texto com o realismo visceral e a tensão febril dos eventos. Sob iluminação de Matheus Brant, a ação acontece predominantemente sobre um pequeno palco (cenário de Geandre Tomazoni e Gustavo Godoy), que induz a uma atmosfera de claustrofobia - apenas algumas cenas transbordam para fora desse espaço restrito que se confunde com o território de um pesadelo. A angústia, a ansiedade e apreensão dos personagens fluem naturalmente para a plateia.

O elenco entrega uma experiência teatral instigante. Bons embates se sucedem. A disparidade entre os camponeses incultos e o comportamento formal e normatizado do inquisidor é bem caracterizado pelos três respectivos intérpretes. Os figurinos de Marichilene Artisevskis realçam o contraste. Valendo-se de expressão monástica, Eduardo Mosri infunde vida ao obsessivo rastreador William, uma figura que pela primeira vez se depara com a noção de dúvida. O ator realça a ingenuidade, a insegurança e autoridade dele, que por trás da fachada fria parece esconder a frustração de um jovem submetido a repressões.  

Ernani Sanchez é convincente na pele de Samuel, que se transformou em um homem quebrado após a morte do filho. Consumido pelo desespero, empunha uma arma e circunda de forma deprimente a plataforma cênica, em atitude tão animalesca quanto aquelas bestas que tenta caçar. As ovelhas e os coelhos podem estar sinalizando que algo estranho se esconde no bosque. Assim refugiado na ilusão, desbasta o peso da culpa que recai sobre os seus ombros.     

Jude é vivida com ímpeto e intensidade por Carolina Fabri, que clareia a incredulidade e as desconfianças da fazendeira. Ansiosa em proteger o marido e a vida deles, ela só quer a partida do inspetor, que há dias se instalou na sua residência e passou a demonstrar crescente atração por ela. Carol Vidotti incorpora Sarah, a vizinha autodeterminada e desafiadora que alerta sobre o arbítrio e o perigo simbolizado pelos caçadores. No entanto, ser flagrado denunciando o embuste é extremamente perigoso – faíscas escapam em um confronto dela com William. Sua lealdade à amiga, inclusive, será posta à prova. 

Ousada e perturbadora, a dramaturgia ilustra a exploração da crença como ferramenta útil de manipulação das massas para se fomentar um caldeirão de fanatismo e construir um ambiente fascista. Escassez de alimentos, aquecimento global, doenças, ideologias autoritárias, políticas belicistas e notícias falsas produziram um clima de paranóia e intolerância. A autora cutuca o vespeiro. As tais raposas, que ninguém nunca avistou nem ouviu e tampouco viu pegadas, podem se insinuar em seus sonhos, ler sua mente e contaminar comunidades com doses de fundamentalismo religioso ou político e ideias perigosas. São bodes expiatórios convenientes para governantes justificarem suas próprias falhas e incapacidades.

Se hoje é politicamente incorreto culpar minorias quando as coisas não funcionam direito – vide exemplos como o dos judeus na Alemanha hitlerista e os refugiados de países pobres na Europa -, incriminar animais não deixa de ser uma narrativa oportuna. Uma frase inquietante é despejada próximo do desfecho: “a ausência de uma raposa é mais um sinal de sua presença e faz parte da normalidade”. A besta não está lá fora, mas dentro de nós. A impressão é a de que chafurdamos em um estado orwelliano moderno.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Halei Rembrandt)

Avaliação: Ótimo

Foxfinder – A Caça

Texto: Dawn King

Direção: Wallyson Mota

Elenco: Carolina Fabri, Eduardo Mosri, Carol Vidotti e Ernani Sanchez.

Estreou: 02/05/2022

Teatro Sérgio Cardoso (Rua Rui Barbosa, 153, Bela Vista). Segunda e terça, 19h. Ingressos: Grátis. Reserva pelo site da Sympla. Em cartaz até o dia 14 de junho.

Nos minutos iniciais a trupe avisa que eles são impulsivos e que é muito difícil saber onde termina a besteira e começa a seriedade. São passadistas? Futuristas? Na verdade, nada disso importa muito para a jovem e inquieta companhia Zero8 (Cavalos, 2017). De forma crítica e porção de humor, o grupo aborda neste trabalho um dos marcos culturais mais relevantes do século passado, a Semana de Arte Moderna de 1922, e dá destaque a uma de suas artistas mais icônicas, a pintora Anita Malfatti, apontada pioneira do movimento modernista. Assinada por Elenice Zerneri e Lucas D’Alessandro, a dramaturgia não tem a aspiração de somar outras interpretações esclarecedoras que historiadores e ensaístas já não o tenham produzido sobre os turbulentos episódios que marcaram aquela data.

Com viés carnavalizado, a peça encenada em frente ao Theatro Municipal se divide em três atos e surpreende pela inventividade e estilo. Como se fosse um baú de mistérios, de um carro abre-alas rebentam em momentos diferentes materiais necessários a uma cena. Pela calçada transitam figuras emblemáticas do passado, como os escritores modernistas Oswald de Andrade e Mário de Andrade, o mecenas e incentivador da cultura Paulo Prado, além dos pintores Di Cavalcanti e Anita Malfatti, representada com um lenço no braço direito.    

Simples, limpa e reverente ao recorte do texto, a direção de Paula Klein é descomplicada, bem cuidada e atenta à temperatura crítica e bem humorada do conteúdo pesquisado. Há nítida preocupação em não deixar arrastar o ritmo e cair na monotonia. O diálogo com o público, que se acomoda na escadaria, se processa espontaneamente e com afabilidade, transpondo o desafio de enfrentar os imprevistos da rua. Soluções criativas germinam a todo instante. Uma escada serve de trilho ferroviário, cavalete e portal para uma viagem no tempo. No caso, o regresso cem anos atrás para a efervescente Semana de Arte Moderna, o manifesto artístico que intencionava renovar o ambiente artístico-cultural do momento. A montagem é embalada com música executada ao vivo. Surdo, tamborim, caxixi, teclado, flauta transversal, violão e reco-reco são empregados na trilha sonora original, construída de acordo com as necessidades do desenvolvimento da narrativa. 

O elenco preserva o conceito do faz de conta e desembrulha bons desempenhos individuais, na medida do talento e do preparo de cada ator. Eles imergiram na proposta de reler os acontecimentos daquele período e valorizar seus desdobramentos e implicações. Bárbara Sgarbi, Elenice Zerneri, Larissa Janotti, Laura La Padula e Lucas D’Alessandro se revezam no papeis. No geral o rendimento é convincente e o coletivo transpira fibra e entusiasmo.

Toda a mis-en-scène é atravessada por fina camada de ironia. Ao citarem o poeta e cronista Menotti Del Picchia, se anuncia que ele está meio estranho, andando por aí de verde e amarelo. A pintora Tarsila do Amaral é lembrada também pelas traições conjugais das quais foi vítima. Uma discussão entre Oswald de Andrade e Mário de Andrade em torno da posse de uma obra ganha ares infantis. Tipos caricatos do presente são referenciados. “Queremos uma cultura dinâmica, baseada na pátria, na família e na ligação com Deus”, brada o ex-secretário da Cultura, Roberto Alvim. “Arte para mim é o pum do palhaço”, sintetiza a atriz Regina Duarte. O influenciador digital Olavo de Carvalho se indigna: “isso daí é um hímen complacente, onde entra piroca de rinoceronte!”.

São brincadeiras que não comprometem o foco da trama, que abre espaço também para reflexões sérias sobre 1922. Anita Malfatti dizia não querer o belo, os temas agradáveis e bonitos. Mário de Andrade desejava evitar os versos metrificados do soneto. Di Cavalcanti pregava uma arte que não fosse importada.

A produção arrisca estabelecer um paralelo entre as duas épocas. O risco foi bem calculado. Um personagem discorre que não fomos comidos nem devorados, no máximo mastigados, engolidos e vomitados. Alguém lembra que hoje não é fácil aceitar que aquela festa modernista foi organizada por uma maioria branca e rica e destinada ao consumo dessa elite. E que, embora revolucionária, a semana lançou as bases para um manifesto fascista. Por outro lado, as ideias que surgiram ali levaram seu legado adiante e a herança pode ser observada em movimentos posteriores como o Tropicalismo, a Bossa Nova, o Cinema Novo e o Teatro Oficina.

Na visão da companhia Zero8, hoje a cidade é um território convulso como a pintura de Anita. Este projeto de Brasil, que parecia tão sólido desde então, corre na contramão e caminha mais para a morte do que para a independência. Pode-se preferir este ou outro ângulo de análise. O desfecho da montagem suscita questionamentos e é um convite à meditação. No mínimo vale como advertência. 

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. ) 

(Foto Divulgação)

Avaliação: Bom

Dançamos Juntos no Carnaval das Gentes

Direção: Paula Klein

Dramaturgia: Elenice Zerneri e Lucas D’Alessandro

Direção Musical e Trilha Sonora: Lucas D’Alessandro

Elenco: Bárbara Sgarbi, Elenice Zerneri, Larissa Janotti, Laura La Padula e Lucas D’Alessandro.

Estreou: 01/05/2022

Calçada do Theatro Municipal (Praça Ramos de Azevedo, s/n, Centro). Sábado, às 11h e 15h; domingo, 15h. Grátis. Até 28 de maio.