Aparentemente simples, o enredo apresenta duas pessoas emocionalmente desestabilizadas, agarradas uma à outra como náufragas. O dramaturgo irlandês Enda Walsh escreveu esta versão para o teatro a partir de um cultuado filme irlandês independente de baixo orçamento com o mesmo título (2007). Personagens secundários foram reforçados para encorpar o contexto, com resultados desiguais, mas o núcleo não se diluiu. O texto, que recebeu montagem bem-sucedida de Zé Henrique de Paula, sem orquestra ou banda porque o elenco inteiro toca todos os instrumentos, instaura não exatamente uma história romântica de desfecho previsível. Trata-se de uma fábula contemporânea sobre perdas, ganhos e impasses no amor, encabeçada por dois indivíduos à deriva em Dublin, que desenvolvem mútua afeição no transcorrer de cinco dias.

Ele é um cantor e compositor irlandês deprimido, prestes a desistir de seu sonho de se tornar músico desde que sua namorada fugiu para Nova York com outro homem. Sua mãe morreu e agora se resigna a trabalhar na oficina de conserto de aspiradores de pó administrada por seu pai. Tocando na rua nas horas vagas por alguns trocados, conhece uma imigrante tcheca pianista, abandonada pelo marido, que reside na cidade com a mãe, a filha pequena e outros três amigos de seu país natal. Como se sensibiliza com as suas composições, ela o encoraja a formar uma banda, gravar um CD demo e usar suas canções para reconquistar sua companheira perdida.   

A trama segue a conexão instantânea que se articula e transcende a esfera da sexualidade entre estas criaturas feridas, castigadas por recentes fracassos do coração e nítidas dificuldades para superá-los e seguir em frente. A consequência é um caso de amor que trilha outra vereda, especialmente a musical, ilustrada por uma partitura de folk-rocks, cantigas folclóricas e baladas dolorosamente bonitas compostas por Glen Hansard e Marketa Irglova - a principal, Me Afogando (tradução nacional para Falling Slowly), foi vencedora do Oscar (2008). A música é o que concede sentido, pulso e ressonância à existência de ambos.

A direção concebeu uma mis-en-scène compacta e imaginativa, encharcada de teatralidade, que apreende a beleza da trilha sonora, a empatia da dupla central e a flama dos coadjuvantes, que abastecem muitas das passagens mais cômicas do espetáculo. A ação acontece em um estilizado pub irlandês, cenário de Zé Henrique de Paula e Guilherme Ramos. Com mínimas movimentações, e o auxílio do design de iluminação de Fran Barros e Tulio Pezzoni, o espaço se transforma em ponto comercial, estúdio de gravação, oficina e apartamentos.  

A experiente Bruna Guerin (com amplo repertório de gestos e expressões) e o estreante Lucas Lima (compreensivelmente mais à vontade tocando e cantando) buscam a emoção sincera que os deixam menos triviais. Eles sustentam figuras críveis, que convidam à fácil identificação. O gentil e reticente rapaz funciona como um contraponto para a garota segura, com sotaque e dona de senso de humor seco. São almas gêmeas espelhando-se, mas sem perspectiva real de um futuro juntos, que em instante algum mascaram suas vulnerabilidades e, a partir do encontro, se percebem mudando a vida um do outro para sempre. Em uma sequência comovente, olham para uma Dublin imaginária e ela diz em tcheco que o ama. Ao pedir para traduzir o que falou, a jovem responde que a frase se referia à possibilidade de chuva naquela noite.   

O febril conjunto de multi-instrumentistas cantores e atores, que permanece sentado na borda do palco quando não está encenando, interpreta os amigos, familiares e os cúmplices musicais. Envergando figurinos típicos, assinados por Theo Cochrane, que contribuem para realçar um forte sentimento de comunidade irlandesa, eles irrompem em cena como se compusessem um coro grego. Destacam-se o pai amoroso dele (Moises Lima), a descolada mãe dela (Andrezza Massei), um gerente de banco infeliz (Thiago Brisolla), um estressado dono de loja (Nando Pradoh), um excêntrico baterista de metal pesado (Abner Depret) e uma assanhada mocinha (Vanessa Espósito). Este bando de desajustados, com graus variados de talento, toca, canta, interpreta e dança exibindo desenvoltura. Todos eles têm seus momentos solo e chegam a emocionar quando executam coletivamente a canção Sol a cappella. A direção musical de Fernanda Maia e as coreografias assinadas por Gabriel Malo se harmonizam sem contratempos.

A montagem é salpicada por certo traço de melancolia e um tipo de comicidade baseada mais nas condições emocionais dos protagonistas do que em afiados duelos verbais. Difere do teatro musical convencional e dos clichês sobre romances entre homens e mulheres juntos até que a morte os separe. Em um nível mais profundo, ele e ela são seres humanos comuns, com vidas normais e questões complicadas para resolver. Suas alegrias, expectativas e infortúnios os tornam semelhantes aos nossos.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Adriano Dória)

Avaliação: Bom

Once – O Musical

Texto: Enda Walsh (baseado no filme escrito e dirigido por John Carney)

Música e Letra: Glen Hansard e Markéta Irglová

Direção: Zé Henrique de Paula

Direção Musical: Fernanda Maia

Estreou: 17/03/2023

Teatro Villa Lobos (Shopping Villa Lobos. Av. Drª Ruth Cardoso, 4.777, Pinheiros). Ingressos: R$ 25 a R$ 200. Sexta, 21h; sábado, 17h e 21h; domingo, 16h e 20h. Em cartaz até 21 de maio.

E se o Homem Aranha, o Hulk, a Mulher Maravilha e o Capitão América se aposentassem de suas atividades heróicas? Como seria a vida na Terceira Idade desses super-heróis, que sempre foram invejados por reunirem virtudes e habilidades extra-humanas? No filme The Dark Knight(2008), Batman pronunciou que ou se morre como herói ou vive-se o bastante para se tornar o vilão. Para o artista plástico e ilustrador italiano Donald Soffritti, o herói pode não se tornar necessariamente um vilão, mas corre o sério risco de virar um tipo gordo, preguiçoso e decadente.

Ele mostrou uma nova realidade existencial dessas figuras especiais no curioso livro Superheroes Decadence (2008), uma galeria de quarenta heróis e vilões do universo norte-americano de quadrinhos retratados em pleno declínio, meio século de vida depois. Visceral, a sua obra demole o mito do modelo de perfeição que cerca os super-heróis. Da mesma forma que qualquer ser humano normal, estes caras que vivem arriscando as suas peles para salvar o mundo também estão sujeitos a enfrentar dificuldades básicas da velhice, cair num estado de ócio, perder a forma atlética, cultivar hábitos não saudáveis e praticar ações patéticas. Há muito mais pontos fracos neles do que é contado e exposto nas histórias. 

A dupla dinâmica (foto à direita), por exemplo, trocou o batmóvel pela batcadeira. Batman, o cadeirante, tornou-se um velho que retrocedeu às brincadeiras infantis. Envolvido por um cobertor e por um gato assustado entre as pernas, o homem-morcego segura um balão infantil do Mickey Mouse e é empurrado sofregamente pelo gorducho Robin, que parece prestes a sofrer um infarto. O Capitão América, rendido ao sedentarismo, trocou o escudo pelos vícios de consumo típicos da sociedade norte-americana, como hambúrger, batata frita, refrigerante cola e até gadgets - percebe-se este último pelo iPhone 3G preso na cintura. De super-herói, só restou o uniforme.

O raivoso Wolverine se entregou ao divã na idade avançada. Em crise existencial, narcísica ou de mimo, acabou por detonar o consultório com as próprias garras. Frustrado, já não consegue cortar tudo a sua volta. O terapeuta arrumou uma saída simplória para bloquear o ataque desse valente baixinho – grudou rolhas nas pontas das suas lâminas. O Homem-Aranha exibe aparência sofrível. Vestindo uma fralda geriátrica, mal consegue permanecer de pé. Em vez de teia, o que consegue lançar é o fluído do soro.

Fluído gasoso. Um dos heróis mais poderosos, Superman (foto à esquerda) foi rendido não à criptonita, mas ao tabaco. O filho de Jor-El está praticamente careca. De super mesmo, só a sua pança larga. A Mulher Maravilha também é uma senhora acima do peso e, como o colega, viciada em tabaco. O laço encantado ficou resumido à coleira, que esgana o pobre cãozinho. O que de maravilha sobrou dela? Talvez a tentativa de um flerte sedutor.

Pobre Demolidor, sua sensitividade já não é a mesma. Está totalmente dependente do cão guia. Do demônio desafiador, sobrou um ser esquelético de pancinha e de boca murcha. Um diabrete frágil. Mais sorte teve o Homem de Ferro, que aparenta estar mais feliz. Tony Stark, o playboy milionário, permanece um bon vivant. Gordo, mas de bem com a vida. Na sua partida de golfe, faz uso do charuto cubano e arrasta uma bateria externa adaptada ao esporte, mesmo que de maneira inconsistente.

Criatura raivosa, o incrível Hulk (foto à direita) tornou-se uma criança dengosa. Basta o mimo de um sorvete para o alter-ego do cientista Bruce Banner tornar-se um bobão de sorriso largo. Já o ex-velocista Flash foi pego de sobressalto. Rastreado por um fluído gasoso, ele utiliza seu poder precário para evitar uma tragédia intestinal. Será que conseguirá chegar a tempo? Soffritti também anunciou o futuro de alguns vilões. Doutor Octopus, desbeiçado, utiliza-se de seus tentáculos para carregar sacolas de supermercado. Ele não está só, serve-se da companhia do cão gordo. Não era exatamente esse o plano de um dos vilões mais famosos da Marvel.

A decadência dos super-heróis norte americanos, apresentado por este artista provocador, encontra pontos de contato no filme Watchmen (2009), dirigido por Zack Snyder. Se Soffritti se vale do humor para estampar a ruína dessas criaturas, o cineasta cria um ambiente melancólico, expondo-os a uma sensação de perda, mesmo que esse malogro não seja claramente identificável. Em ambos os trabalhos, a condição de vida dessa turma chega a ser desprezível.

Ícones orientais. Em contrapartida, a vicissitude heróica foi promovida do lado oriental. Influenciados pela cultura pop estadunidense, quando da ocupação americana no Japão, no final da Segunda Guerra Mundial, muitos artistas japoneses seguiram na contramão de Soffritti. Personagens de mangás e animes ganharam ascensão e status de poderosos do mundo. Manipulam a energia planetária, salvam vidas e ainda sobra tempo para abaixar a tampa do vaso antes da descarga. De estatura baixa ou mediana, usam vestimentas tradicionais, casuais ou com armaduras, cabelos arrepiados e coloridos, têm olhos grandes, narizes e queixos pontiagudos, além de bocas pequenas que se transformam em monstruosas a cada expressão.

São características que definem o estereótipo dos super-heróis japoneses. É o caso do bad boy Yusuke Urameshi, um dos ícones prediletos do público. Trata-se do típico adolescente com hábitos politicamente incorretos, porém de bom coração. Outro destaque é Son Goku (foto à esquerda), conhecido pelo público desde as transmissões de Dragon Ball. Com rabo de macaco e força sobre-humana, tornou-se um super-herói adorado tanto no Japão, com um número incrível de fãs, quanto no Brasil. Também merece destaque o andarilho e retalhador Kenshin Himura. Dono de uma habilidade sobrenatural com a espada, o super-herói utiliza uma lâmina invertida para apenas ferir e não matar o oponente.

Se a promessa de invadir o mundo não foi concretizada pelos vilões da Marvel, com certeza o planeta acabou dominado pelos valentes orientais. Mas como uma moeda de cara e coroa, a queda é a outra face da ascensão. Quando menos se espera, a osteoporose, doença normal dentro do processo de envelhecimento, pode se tornar a maior inimiga dos super-heróis dos mangás e animes.

(Ivan Ferrer Maia – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto inicial: Homem Aranha / copyright Donald Soffritti)

Na obra do artista carioca Oswaldo Goeldi (1895-1961), o mundo que emerge de seus traços oferece uma visão trágica e miserável da condição humana. Trata-se de um retrato avesso da realidade, que encontra eco, por exemplo, no universo extraordinário do escritor norte-americano Edgar Allan Poe (1809-1849), autor de O Corvo. Um dos trechos desse aclamado conto serve à perfeição para descrever a natureza sombria das gravuras e desenhos de Goeldi: “A porta escancaro, acho a noite somente. Somente a noite, e nada mais. Com longo olhar escruto a sombra, que me amedronta, que me assombra”. Com curadoria de Paulo Venâncio Filho, a retrospectiva Oswaldo Goeldi: Sombria Luz, em cartaz no Museu de Arte Moderna de São Paulo, reúne mais de duzentos trabalhos, muitos inéditos ou raramente vistos, desse mestre expressionista de vida reclusa, que não gostava de ser fotografado nem aparecer em público. A mostra abriga ainda uma sala que reproduz o seu atelier no Leblon, com objetos pessoais, cartas, fotografias e uma prensa.

Goeldi transitava na contramão do tropicalismo ufanista defendido pelos contemporâneos modernistas brasileiros. Ao invés de explorar o exotismo e a paisagem colorida tupiniquins, suas xilogravuras e os desenhos a lápis, nanquim ou a carvão retratam as ruas, casarões, caveiras, peixes, cães, gatos, guarda-chuvas, bicicletas e os transeuntes do Rio de Janeiro pelo ângulo da melancolia e da escuridão, típico cenário assustador de Poe. Além da estética lúgubre de ambas as obras, é possível estabelecer outras associações entre eles. Os dois, por exemplo, mantém uma relação forte com aves mórbidas e agourentas. Para Poe, o corvo. Para Goeldi, o urubu. Muitas vezes, tanto um quanto o outro lançam mão do suporte fantástico para representar uma realidade adversa à cordialidade dos moradores da época.

O artista brasileiro chegou a afirmar que o que lhe interessava “eram os aspectos estranhos do Rio suburbano, do Caju, com postes de luz enterrados até a metade na areia, urubu na rua, móveis na calçada, enfim coisas que deixariam besta qualquer europeu recém-chegado. Depois descobri os pescadores e toda madrugada ia para o mercado ver o desembarque do peixe e desenhava sem parar”. Seu mundo, por sinal, não é exclusivamente negro. A cor irá entrar em um determinado momento, utilizando-se de poucos tons, principalmente o vermelho. O recurso funciona para aumentar o destaque ou a significância de algum elemento representado na obra.

Olhos do demônio. Observemos a obra-prima Chuva (1957) (foto de abertura), xilogravura colorida sobre papel japonês. A chuva em si não está em evidência, o que a torna presente é o guarda-chuva em vermelho carregado pelo pedestre solitário que caminha pela via escura e incerta. O tom azul também foi utilizado e contribui para a ambientação chuvosa. O traçado seco e reto do artista põe em relevo a tensão e situações aflitivas, mesmo que no silêncio da noite. A mesma técnica é empregada em Rua Molhada (foto à esquerda), que registra com linhas nervosas imagens de objetos e animais soltos na rua úmida. Não há sol. Não há presença humana, apenas indícios de descasos em relação aos objetos abandonados. Mais ao fundo, em um aparente poste, há um rasgo de cor vermelha perturbador.

A profunda solidão em Goeldi existe até mesmo com a presença de seres. Em uma ilustração sem título (foto à direita), de impacto terrível, o que vemos é a personificação da morte que caminha ao lado da silhueta de um corpo caído ao chão. A profundidade de campo e o contraste do claro e escuro reforçam o isolamento e o sombrio presentes na obra. As palavras de Poe cabem muito bem aqui: “E seus olhos têm toda a dor dos olhos de um demônio que sonha; e a luz da lâmpada que o ilumina, projeta a sua sombra sobre o chão. E minh'alma, daquela sombra que jaz a flutuar no chão, levantar-se-á - nunca mais!”

Não menos desconfortável, em Guerra (1942) um corpo emerge da superfície em situação dramática. A luz de baixo para cima tonifica a expressividade do sujeito que está de costas para os soldados ao fundo. A densidade da ação obriga o observador a     sentir o peso da narrativa conturbadora. A Sonâmbula se encontra em um ambiente escuro, estática, com olhar lateral. A luz em seu corpo contrasta com a obscuridade do local e com o estranho casal na contra luz. No silêncio angustiante, a voz abafada pela escuridão ganha alívio e respiro nos finos sulcos de luz branca e rasgos de cores. Mas não é o suficiente. Tudo está imóvel. O despertar talvez ocorra “nunca mais”, conforme as palavras constantemente pronunciadas pelo corvo de Allan Poe.

(Ivan Ferrer Maia (O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )                                                                               

(Foto inicial: Chuva / Divulgação)

Oswaldo Goeldi: Sombria Luz

MAM Ibirapuera (Avenida Pedro Álvares Cabral, portão 3, Parque Ibirapuera. Fone: 5085-1300). Terça a domingo, 10h às 17h30. Ingresso: R$ 5,50. Estreou: 15/06/2012. Até 19/08/2012

Uma vaca cortada ao meio, um personagem de animação com a língua para fora, vídeos cujos nomes fazem referência ao músculo que controla o movimento dos testículos. O olhar estético acomodado poderá sofrer um sobressalto ao se deparar com a produção subversiva de 51 artistas contemporâneos que participam da exposição Em Nome dos Artistas, em comemoração aos 60 anos da Bienal de São Paulo. A complexidade dos trabalhos reunidos exige do público uma atitude mais atrevida, um tempo de observação e apreciação mais duradouros porque nem todos são de gosto fácil.

Em sua maioria norte-americana, as obras pertencem à coleção Astrup Fearnley Museum of Modern Art, sediada em Oslo, capital da Noruega. A curadoria da mostra, que leva a assinatura de Gunnar B. Kvaran, diretor da referida instituição, relacionou as obras de arte que exigem maior contemplação com as águas profundas. São aquelas que permitem imergir em situações desconhecidas, ao contrário das águas rasas, que nos possibilitam ver apenas as superfícies. A exposição, nesse sentido, é um convite às águas profundas e, para melhor entendê-la, é importante compreender os quatro momentos que a divide - 1980, 1990, a partir de 2000 e uma sessão especial ao artista britânico Damien Hirst (1965).

A aventura começa justamente por Hirst, um dos nomes mais lendários da atualidade. Sua produção fala sobre a morte e, para abordá-la, ele utiliza a própria morte. Em uma de suas obras, Mother and Child Divided (1993) (foto ao lado), uma vaca e um bezerro aparecem mortos, cortados ao meio e expostos em tanques de formol com as vísceras aparentes. É polêmico e seus trabalhos já levantaram diversos debates éticos. O filósofo e crítico norte-americano Arthur Danto lança a pergunta incômoda: o melhor destino desses animais seria acabar servindo como obra de arte no lugar da previsível mesa de jantar?

Hirst tem se utilizado da farmacognosia para discursar sobre o fim da existência. Os fármacos estão entre a morte e a cura. É no desejo de viver bem, de estar curado que as pessoas recorrem indiscriminadamente aos medicamentos - e a indústria farmacêutica explora isso. I Feel Love (1994-1995) é um quadro composto por bolinhas organizadas em linhas e colunas sobre um fundo branco. Cada uma exibe um tom diferenciado e não há repetições. Elas fazem alusão aos comprimidos, dispostos na cartela de maneira precisa. É como se o próprio quadro acenasse ao espectador a possibilidade da cura, de fazê-lo sentir-se bem. O título da obra não é por acaso.

Os artistas norte-americanos que representam os anos 1980 fizeram parte da geração pós-Segunda Guerra Mundial. Eles viveram o momento do hiper nacionalismo americano, quando a indústria cultural se expandiu para além dos territórios de língua inglesa. Como a função social da arte não é só ratificar a estrutura de poder, mas, entre outras intenções, denunciar e subverter um sistema de dominação, os artistas daquele tempo se valeram de objetos industriais descartáveis, imagens estereotipadas pela mídia para criar uma linguagem irônica e debochada do contingente sociocultural da época. Jeff Koons (1955) e Cindy Sherman (1954) (foto ao lado) são dois exemplos que ilustram esse período.

Macaco kitsch. A linguagem cínica e de forte humor ácido pode ser visto nos trabalhos do artista da Pensilvânia, Jeff Koons. Polêmico, ele se apropria de objetos kitsch, banais e clichês para falar de sexualidade, iconoclastia e consumo das classes sociais. A partir de referências do ready-made de Duchamp e da arte pop, ele se vale de peças que se encontram em lojas populares, de fácil consumo, bem distintos das tradicionais Belas Artes. São artigos engraçadinhos, que trazem consigo valores emotivos que cativam o público e, por outro lado, revoltam muitos daqueles treinados para a chamada “arte elevada”. Koons acredita que todo mundo deve ser autêntico com o seu gosto. Um objeto kitsch de um macaco pode ter mais a ver com a pessoa do que uma madona de Rafael. O crítico Danto disse que a ideia desse artista é “ser você e não fingir ser alguém que você acredita ser superior a você”. Nessa lógica, Koons toma conta de imagens do senso comum e da cultura de massa para construir imagens subversivas.

Em Titi (2009) (foto ao lado), o personagem de animação Piu-Piu é exposto como um boneco inflável, de maneira quase que patética, com olhos arregalados, braços abertos e com a língua para fora. Ainda nessa linguagem, o quadro The Hook (2003) possui um aglomerado de bonecos infláveis, de cores vivas, simbolizando animais fofos. Ao fundo percebe-se uma tela que enclausura esses animais. A figura de um gancho vermelho segura um dos bichos. No centro do quadro, em primeiro plano, há um short dourado, feminino, extremamente curto, ornamentado com joias na cintura. Duas correntes estão penduradas ao lado esquerdo da peça. Nesse conjunto apresentado, o short ganha forma de uma barca e seu aspecto de pirataria é reforçado com o gancho e as joias. O quadro nos permite uma associação com o universo da Terra do Nunca de Peter Pan, ameaçado constantemente pelo capitão Gancho. Mas nesses simbolismos de fantasia e clichês, onde está Peter Pan? Em um livre raciocínio, podemos dizer que está representado pelos bonecos infantis ameaçados pelo gancho e pela tela que os cercam.

Humor e horror. Cindy Sherman também mergulha nos estereótipos da cultura de massa, principalmente do cinema, para produzir um universo de estética popular e clichês. Na série Fotos de Cena Sem Título (1977-1980), ela se fotografou em diversos cenários a partir de variados gêneros de filmes. As fotografias de Sherman são impregnadas de significados sociais, culturais e políticos, especialmente voltados ao papel da mulher na sociedade contemporânea. Posteriormente, ela bebeu de estilos da pintura europeia (Retratos Históricos, 1988-90) para reconstruir esses cenários carregados de sentidos históricos, seja pelos ícones construídos ou pelos conceitos gerados pelas imagens.

As celebridades hollywoodianas são representadas na série Hollywood Portraits (2000-2002). Nesses retratos existe uma síntese entre glamour e sensação de repulsa causada pela maneira como a artista representa os artistas. Na série Clowns (2003-2004) (foto ao lado), ela lança mão de rigorosos makeups, costumes flamboyant e da pós-produção digital para manipular formas e cores sintéticas dos backgrounds das fotografias. Nos retratos dos palhaços há um jogo entre humor e horror, felicidade e tristeza.

A década de 1990 foi um período em que muitos artistas tornaram-se contadores de histórias. Eles criaram narrativas conceituais ou metafóricas que subvertiam as histórias convencionais. Para isso, mesclaram os vários gêneros das artes visuais, como a performance, a instalação e a videoarte. Um dos nomes mais consagrados desse período foi Matthew Barney (1967). Além de curiosidades que o cercam, como o fato de ser casado com a cantora Björk, ele é um atleta. A formação em Educação Física foi fundamental em sua obra.

Ciclo Cremaster (1994-2002) (foto ao lado), por exemplo, tem uma narrativa em torno da corporeidade. Cremaster é o nome anatômico do músculo que controla a movimentação dos testículos. A obra é composta por cinco vídeos que fazem alusão conceitual a esse músculo associado às questões humanas – sexualidade, gênero, ambição, fantasia, morte. As histórias não se fecham em uma narrativa linear com um final determinado. Elas foram estruturadas de tal maneira que permitem interpretações livres por parte do espectador.

Silêncio e paciência. A partir de 2000, ficou previsível esperar que as obras de arte empregassem elementos digitais e a interatividade como recursos principais na constituição da linguagem plástica. Muitos artistas contemporâneos fazem uso desses procedimentos, mas nem todos os consideram como elementos principais de suas obras. O trabalho de sombras do artista chinês Paul Chan (1973), como a série The 7 Lights (2005) (foto abaixo), não deixa de lembrar a técnica milenar do teatro de sombra de seus conterrâneos. Ele as projeta em movimento para falar do tempo. Não apenas do tempo grego cronos, responsável pela medição do horário, mas o de outro tempo grego, o do kairos, o preenchimento do tempo vazio, o que ele guarda de significados e pode transformar o estado atual para outro distinto. O percurso silencioso das sombras instiga uma contemplação para além do visível. Elas em si são indicativos da presença de algo e, na ausência desse algo, se tornam mais fortes que o próprio objeto.

O psicólogo Jung já nos disse, em seus profundos estudos sobre a natureza e a psique humanas, que o que escapa a nossa mente, o destino nos devolve em forma de sombra. Será que é por isso que vivemos em um mundo cada vez mais de projeção e simulacros? As sombras de Chan não são estáticas, elas têm movimento, tecem a síntese entre o cronos e o kairos, do tempo percorrido e da plenitude de sua ocupação. A delicadeza da obra desse ilustre chinês nos remete à condição do silêncio e da paciência orientais. Há um estado introspectivo de meditação sobre o tempo. Como diria o filósofo e poeta francês Gaston Bachelard, o tempo das águas profundas.

(Ivan Ferrer – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. / @ivanfm1)

(Foto de abertura: The Hook, obra de Jeff Koons)

Em Nome dos Artistas. Parque Ibirapuera (Avenida Pedro Álvares Cabral, s/número, portão 3. Fone: 5576-7600). Segunda a quarta e sexta a domingo, 09h às 19h; quinta, 9h às 22h. Ingresso: R$ 20 (domingo: grátis). Até 04 de dezembro.

Veja vídeo de Matthew Barney: