Mais uma vez o Sobrevento ousou e acertou. O novo trabalho da companhia, que tem quase três décadas de existência, é tocante e comovente. Vale-se de objetos que ganham vida, e se relacionam com atores, para falar de uma época marcada pela exaltação do individualismo. Os personagens da peça são seres solitários, transitam no vácuo, meio que sem rumo. Por vezes encontram-se confinados em espaços exíguos, como uma casa de papelão ou uma oficina de alfaiataria. Estão submetidos a ações árduas e fatigantes, como caminhar pisando apenas em pares de sapatos enfileirados ou carregar uma trouxa de malas, saltando de cadeira em cadeira, até perceber que todo o esforço resultou em nada. Há um esgotamento implícito em seus movimentos, de se tentar conseguir alguma coisa que não se sabe bem o que seja. Eles se revelam desesperados para sair do lugar, ora tentando alcançar um trem que passa ora pedindo carona para veículos que nunca param. Alguns só têm como companheiros um pássaro na gaiola ou um peixe no aquário. Outros desejam regressar a um ponto que perderam e, lá estando, continuam a sina solitária. Ou seja, as situações escancaram níveis variados de conflitos pessoais, desajustes em relação ao entorno, uma sensação terrível de ausência. São tipos perdidos em um cotidiano que aboliu o espaço para o sonho.   

Visualmente sugestivas, como se fossem instalações de artes plásticas, as quinze cenas emaranhadas na montagem assemelham-se a campos de prova e decisão. Seguem a lógica de um espetáculo circense, dotado de números de equilíbrio e contorcionismo que o público acompanha com ansiedade e apreensão. Afinal, as figuras ali reunidas vivem numa espécie de corda bamba, enfrentando o tempo todo estágios que as levam cada vez mais um degrau abaixo. A impressão é a de que se debatem em areia movediça e precisam escapar urgentemente dessa armadilha. Estão procurando algum lugar? Alguém? A própria identidade? Um sentimento de culpa cristã pesa sobre eles. Uma bailarina (Sueli Andrade) rodopia e ameaça se perder em moto contínuo. Uma menina aflita (Liana Yuri) perde o fôlego na tentativa de salvar um peixe. Um homem (Maurício Santana) se esforça para conquistar uma jovem, oferecendo jantar regado a vinho, viagem a Paris e até a possibilidade de formarem uma família com muitos filhos. Uma mulher (Sandra Vargas) quer levar todos os seus pertences numa mala e acaba perdendo a viagem. Um moço (Daniel Viana) exerce atividade tão penosa que, lentamente, se transforma em animal.  

Interessante notar como os objetos, que ganham riqueza metafórica, são manipulados com destreza pela trupe, que deixou a função de narrador para assumir a de personagem. Um casaco de pele pendurado num manequim sinaliza a presença feminina. Uma mala é aberta e uma moça some dentro dela. Uma camisa jeans vira mar e traga um barquinho. Puxado por um sujeito, vagão de brinquedo adquire a dimensão de um imenso trem de passageiros. Uma pequena caixa de papelão, forrada de miniaturas como pingüim de geladeira, panelas e outros utensílios, serve para ilustrar o lar claustrofóbico de uma pessoa solitária, cujo corpo assume desproporcionalmente o espaço. Um alfaiate come borboletas em forma de papeis, como se fosse a derradeira refeição.

Despojadas das palavras, as micro narrativas evoluem de forma quase independentes. Os quadros transpiram variadas camadas de emoção. Podem tanto ser dramáticos como melancólicos, gerar ternura ou soar patéticas. Vistos em conjunto, aludem ao absurdo da existência. Não por acaso, o Sobrevento serviu-se do livro Amerika (1957), o romance inacabado de Kafka, para deslanchar seu olhar para o estado atual das relações humanas. Na trama, um rapaz alemão é expulso de casa pelos pais, após engravidar uma empregada doméstica. Enviado aos Estados Unidos, mergulha em uma sociedade que pouco compreende. Só vai encontrar uma fresta de salvação ao se deparar com um circo, quando vislumbra a oportunidade de se tornar um artista.

O que o Sobrevento busca expressar, para impulsionar esse conjunto de metáforas poéticas, é o grande tema da obra kafkiana, o processo de desumanização e coisificação do outro.  Não há uma história linear, com começo, meio e fim, mas apenas situações se sucedendo. O tom é meditativo. O público cumpre missão importante. Cabe a ele construir o seu enredo ou tirar suas próprias conclusões a partir da sua projeção e identificação com itens facilmente reconhecíveis, como árvores secas, carrinhos de brinquedo, casas de bonecas, capazes de ativar memórias do passado. Na peça, as imagens mais dizem do que mostram. Como na literatura do escritor tcheco, as situações desembrulhadas no espetáculo carregam doses de ironia e dor, com pitadas de sarcasmo. Para dar certo alívio existencial ao desconforto dos personagens, ao aparente beco sem saída, em seu desfecho a montagem abre um naco de esperança. Ou comiseração? Como se tivessem sido expulsos do paraíso prometido, eles se reúnem ao pé de uma árvore, embora continuem solitários.  

A encenação conta com trunfos importantes. A música hipnótica de Arrigo Barnabé impregna o ambiente não para sublinhar os momentos. A intenção é claramente oferecer um contraponto, um ruído. Da mesma forma a iluminação sensível de Renato Machado instaura estados emocionais. A peça coloca em evidência indivíduos que habitam um mundo tão moderno quanto hostil e que parecem fadados a viver isolados. O teatro de objetos não é tão prosaico como alguns imaginam. Ele também pode expor a natureza cruel da realidade.

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )

(Foto Fi Ramos)

Avaliação: Ótimo

Só

Criação, Concepção e Dramaturgia: Grupo Sobrevento

Direção: Luiz André Cherubini e Sandra Vargas

Estreou: 11 de julho

Elenco: Sandra Vargas, Maurício Santana, Sueli Andrade, Daniel Viana e Liana Yuri   

Espaço Sobrevento (Rua Coronel Albino Bairão, 42, Metrô Bresser. Fone: 3399-3589). Sábado e domingo, 20h. Ingressos gratuitos (disponíveis meia hora antes na bilheteria ou pelo email O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. ). Até 18 de dezembro.

O local parece uma estação de trem deserta ou abandonada. Nesse ambiente mal iluminado, perambula um homem trajado de terno, que murmura febrilmente. Aos poucos ele se torna compulsivo e desata um diálogo agressivo endereçado a um interlocutor invisível. Cospe insultos e xingamentos contra um inimigo sem identidade e rosto, que se mantém em silêncio ou ausente. Seu discurso é megalomaníaco e pontuado pelo refrão “eu tenho tudo”.  Ele não teme nada, acredita poder destruir qualquer um, se vê poderoso e nem o presidente dos Estados Unidos, mesmo contando com bombas, fábricas e aviões, dispõe de sua força. O outro, em sua concepção, não oferece e não tem nada. Escrita pelo dramaturgo argelino Thierry Illouz, um advogado especializado em direito penal e do trabalho, a peça é um soco no estômago. O texto recebeu montagem inspirada de Cácia Goulart e interpretação poderosa de Pedro Vieira, que mergulhou nas entranhas desse personagem em sua luta desesperada para contornar sua impotência, a suposta condição de vítima e o sentimento de humilhação.

Instalado o desconforto, por meio desse histérico fluxo verbal, o público vira testemunha de seu desprezo e é jogado nessa torrente de ódio que chega, por instantes, a ficar insuportável. Em momento algum a narrativa esclarece as razões de seu comportamento e o porquê de sua revolta. Nota-se apenas que ele, embriagado pela arrogância, se deixou absorver pela ideia fixa de se julgar um homem forte, que precisa conduzir essa batalha imaginária até o fim. A grande sacada do enredo, e um dos motivos de seu interesse, é que o personagem, apesar da exposição triunfalista, não passa de um despossuído, que fracassou em tudo, perdeu o amor, o trabalho e a dignidade. Uma realidade, aliás, que ele procura negar de forma veemente, nem que tenha que repetir regularmente ser detentor de certa quantia em euros na conta bancária. Uma “fortuna” que, presume-se, faria dele um homem superior. Se ele é tão rico como anuncia, por que estaria tão colérico e irascível?

A direção de Cácia Goulart mantém a tensão real a flor da pele e instaura um clima sombrio e fantasmagórico. A encenação ganha feição de uma arena destinada a um acerto de contas. Há problemas na adaptação, como certa redundância e prolixidade que ensebam a trama. Ou sequências que parecem sinalizar um desfecho que não acontece. Nada que esmoreça o diálogo de surdos que se estabelece no palco. Para não cair na monotonia e desandar o ritmo, possível num espetáculo que escorre permanentemente em estado de alta pressão, a saída foi implementar marcações não convencionais e surpreendentes. 

Pedro Vieira é intenso e cresce em cena na medida em que incorpora essa figura sem passado e de destino incerto, atormentada em sua prisão mental, que detém uma arma e crê ser possível exercer justiça com as próprias mãos. O ator exibe domínio vigoroso da linguagem. Ele enfrenta o desafio sem apelar para o clichê e a vulgaridade. A interpretação faz com que o espectador sinta a agitação e o nervosismo do personagem, perceba nas entrelinhas a fragilidade e pobreza espiritual de um homem exposto ao exercício de arrolar suas hipotéticas virtudes morais e materiais. Por sinal, um mecanismo de compensação acionado para lidar com eventos traumáticos.

O autor deve ter se inspirado no dramaturgo francês Bernard-Marie Koltèz, cujas peças são marcadas pela necessidade vital de diálogo, mas que, paradoxalmente, desnudam a impossibilidade da comunicação. Illouz engendra uma crítica feroz ao estado atual da humanidade. A vociferante criatura se rebela contra a imagem que a sociedade construiu dele, a de um sujeito relegado à margem do sistema. Um perdedor, diante de um mundo moldado para estimar e apreciar somente os vencedores. Daí a necessidade de se travestir de arrogante para conseguir suportar a dor.  Para não afundar, ele aponta o dedo para o outro, desdenha do antagonista inventado. Seu poder reside nas palavras. Não por acaso o personagem vai se desfazendo de seu uniforme de executivo – armadura, melhor dizendo - até ficar desnudo Exatamente como ele é ou se encontra no momento. 

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Cacá Bernardes)

Avaliação: Bom

Eu Tenho Tudo

Texto: Thierry Illouz

Direção: Cácia Goulart

Elenco: Pedro Vieira

Estreou: 29/01/2016

Viga Espaço Cênico (Rua Capote Valente, 1323, Pinheiros. Fone: 3801-1843). Segunda e terça, 21h. Ingresso: R$ 40. Até 29 de novembro.

No palco, poderosos exércitos estão se engalfinhando. Cortantes lanças são disparadas, perfurando corpos. O sangue jorra. Ouvem-se as lamúrias dos derrotados e os urros dos vencedores. Encastelados no Olimpo, deuses espreitam esses homens inebriados pelo ódio e vingança, ora facilitando ora complicando os acontecimentos, sem dissimular suas preferências. O notável é que todo o horror da guerra e da brutalidade é evocado por meio apenas das palavras vocalizadas por um único ator em cena. Inteligente, o texto dos dramaturgos americanos Lisa Peterson e Denis O´Hare é uma adaptação do célebre poema narrativo de Homero sobre a mítica Guerra de Tróia. Ganhou inspirada montagem, com direção e atuação de Bruce Gomlevsky, com passagem por São Paulo e atualmente em temporada carioca.

O foco aqui não é o conflito integral, que se alongou por uma década entre 1300 a.C e 1200 a.C, opondo gregos e troianos, mas apenas algumas semanas do confronto. Os autores substituíram o caráter monumental da obra épica por uma versão mais condensada, em formato de monólogo, porém com o cuidado de preservar a sua essência. A trama ganha sentido e eloqüência pela voz de um poeta misterioso, que afirma ter estado presente em Tróia e testemunhado o evento ao vivo. Trata-se de uma figura ficcional, que tanto pode ter sido um guerreiro, mercenário ou até mesmo Homero. Seja como for, na pele desse arauto ele olha nos olhos da assistência e a conduz com desembaraço a uma expedição pelos campos de batalha. O público imerge em uma conflagração irrompida após a bela Helena, casada com Menelau, rei de Esparta, ter sido raptada por Páris, príncipe de Tróia, estopim da desforra empreendida pelo marido traído.

A pujança do relato se explica pela feliz combinação de uma linguagem casual e espontânea, como a de alguém que conta histórias ao redor de uma fogueira, com o envolvimento intensamente emocional do narrador com os episódios reportados e comentados. O efeito disso é que tanto mortais quanto deuses parecem íntimos da plateia. O enredo ilumina especialmente os guerreiros rivais Aquiles e Heitor. Mas o menestrel dá vida e relevância também a uma série de personagens fantásticos. Como o arrogante líder grego Agamenon, coagido a entregar sua amante para evitar a vingança de Apollo sobre as suas tropas. Pátroclo, o melhor amigo de Aquiles, que morreu em combate contra Heitor, usurpador de sua armadura. Príamo, rei de Troia, em sua obsequiosa jornada para resgatar o corpo do filho assassinado Heitor e garantir um enterro honroso para ele.

Um dos méritos dessa montagem é que ela consegue varrer uma possível poeira acumulada sobre a saga troiana. Mesmo antiga, a história continua empolgante e sedutora. Escorado em desempenho visceral, Gomlevsky exibe ampla gama de emoções e impinge à narrativa uma urgência desesperada. Ao relatar reuniões e discussões, o vai-e-vem das batalhas e duelos, o caráter dos personagens e o contexto histórico da Guerra de Tróia, o ator investe intensidade vocal e física. Em certas passagens, sua voz potente muda de tom, dando lugar a uma fala sem impostação. Salta com agilidade impressionante do protocolo retórico, ao descrever os momentos bélicos, ao registro lírico, ao inventariar as paixões que inflamaram gregos e troianos. Pontualmente sua narração é entrecortada por música sutil e dramática, executada pela contrabaixista Alana Alberg, além de entoar cânticos como se estivesse em transe.

O envolvente espetáculo transcorre em um espaço cênico sem adornos, com bordas enfeitadas por velas. A encenação escoa com fluência, mesmo sem contar com as facilidades da ação dramática. É puro teatro - a iluminação assinada por Elisa Tandeta e o figurino concebido por Carol Lobato contribuem de maneira inteligente para o triunfo. O espectador não familiarizado com os acontecimentos históricos não precisa se inquietar. Ele se conecta naturalmente, porque a adaptação foi construída contemplando referências atuais. No desfecho incômodo, com ares de denúncia, o trovador empilha uma sucessão de massacres e extermínios que infestaram o passado remoto e ainda no presente continuam a devastar a humanidade. É uma maneira de sublinhar a perenidade dos impulsos violentos do homem ao longo de sua existência.

A peça mostra que o preço da raiva pode ceifar vidas, que o custo do orgulho masculino produz destruição, que a sede de sangue faz parte da natureza dos seres humanos. Daí o pesar de saber que entre Tróia e a Síria atual, por exemplo, há mais similaridades no tocante à carnificina humana do que gostaríamos de enxergar. Nessa releitura moderna de um clássico épico e fundamental, por sinal o mais antigo texto literário do Ocidente, o narrador captura e expõe o horror e o heroísmo em uma guerra. Ou melhor, por meio de seus relatos, compreendemos porque o pacifismo é um conceito cada vez mais em desuso.      

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )  

(Foto Dalton Valério)

Avaliação: Ótimo

Uma Ilíada

Texto: Lisa Peterson e Denis O´Hare

Direção e Atuação: Bruce Gomlevsky

Estreou: 05/11/2015

Teatro Maison de France (Avenida Presidente Antônio Carlos, 58, Centro. Fone: 21. 4003-2330). Sexta e sábado, 21h; domingo, 18h. Ingresso: R$ e R$ 50. Em cartaz por tempo indeterminado. 

Nesta peça, o dramaturgo norte-americano John Logan desembrulha rico e amplo espaço para uma poderosa reflexão sobre o papel do artista na sociedade, o significado da arte, as razões para criá-la e sua função no mundo. O pintor Mark Rothko (1903-1970), um dos nomes mais expressivos nas artes plásticas do pós-guerra, está em crise. Trata-se de um homem criativo mergulhado em absoluta angústia, com sérias dificuldades de lidar com o paradoxo de ter que agradar consumidores fúteis que podem comprar o seu trabalho. Ele discursa sobre a guerra entre arte e comércio e de como a cultura se transformou em mero entretenimento. Em sua maneira de enxergar as coisas, a arte deve ser séria ou está condenada a não merecer existir.

Assinada por Jorge Takla e estrelada por Antonio Fagundes e Bruno Fagundes, pai e filho na vida real, a vigorosa montagem dá vida a esse debate acalorado. Tudo é muito intenso, emocionante e envolvente neste texto, que extrapola os limites da discussão sobre a natureza rebelde do processo artístico e a aflição de quem busca a perfeição no ofício para alavancar observações instigantes sobre a vida e a morte. A trama é ambientada no final dos anos 1950, no ateliê de Rothko, artista nascido na Rússia e naturalizado americano, que se tornou estrela do expressionismo abstrato, ao lado de Jackson Pollock e Willem de Kooning. O espectador acompanha o relacionamento dele, em um momento em que já começa a perder o tônus de influência, com o jovem aspirante a pintor Ken. Mediante um cachê milionário, ele está produzindo uma série de murais para enfeitar as paredes do novo e elegante restaurante do Four Seasons, instalado na cobertura do edifício de um arquiteto renomado. Da mesma forma que o aluno vai invadir o espaço do mestre, este está prestes a coabitar o ambiente dos endinheirados. 

O grande trunfo do espetáculo é que o conteúdo estético, conceitual e filosófico levado a cabo pelos personagens não se perde em verborragia chata. Concomitante às discussões sobre a história da arte e suas implicações, aflora uma sedutora disputa verbal entre mestre e aprendiz e seus pontos-de-vistas e concepções acerca da arte e da vida. Um duelo entre dois homens, pontuado por músicas clássicas e respeito reverente, mesmo nos instantes mais loquazes. Rothko não é um artista fácil de se relacionar e Ken se dá conta disso. Logo de cara ouve do mestre que hoje em dia todo mundo gosta de tudo e que vivemos sob a tirania do bem, num mundo sem discernimento. Da mesma forma, é informado de que a pintura que ele cria é para a posteridade e não pela fama ou fortuna. "Eu estou aqui para fazer você pensar, não para pintar quadros bonitos", avisa, mesmo insistindo não ser professor – obcecado pelo significado de formas e matizes, quer ensinar o pupilo a olhar a arte não como um borrão na tela, mas como um desfile de emoções. Culto, influenciado pela obra de Nietzsche, Rothko passeia por Sócrates a Shakespeare, Freud a Yung e ataca, com raciocínio afiado, a cultura pop do dia, desancando, por exemplo, o trompetista e cantor de jazz Chet Baker e o pintor iconoclasta Andy Warhol. Ambos, sustenta, carecem de profundidade e substância. A montagem oferece diálogos fortes e cenas pungentes. Em uma delas, os protagonistas pintam a mesma tela como se compusessem uma sinfonia, em um momento delicado de entrelaçamento. Em outra sequência, poeticamente dilacerante, Rothko vocifera a sua visão dos murais pendurados no Four Seasons, quando teme o rebaixamento de seu trabalho a mero papel decorativo, em vez de significar veículo para a transformação. Afinal, suas pinturas estarão emoldurando um lugar de negócios, com executivos engravatados mais interessados em refeições e transações do que vermelhos e pretos.

A direção de Takla é sutil e inteligente o suficiente para não criar ruídos desnecessários.  Ele desenha uma encenação que ajuda a manter as idéias em movimento e o fluxo da ação, ocupando o tempo ocioso entre as conversas dos personagens com uma série de mudanças efetuadas no palco pelos atores – telas descem e sobem e a mesa de trabalho se desloca de um ponto a outro, por exemplo. Tais momentos de silêncio funcionam não só de contemplação como alívio para as disputas verbais que ocorrem. A minuciosa  iluminação, de Ney Bonfante, tem ares de partitura porque rege o discurso de Rothko sobre a importância da luz para não quebrar o feitiço da obra e deixá-la radiante e viva.  Apesar do peso do texto, a leveza do espetáculo garante o interesse do público até o último minuto. Mesmo o clichê do artista atormentado, em crise com suas criações, tão comum no cinema, literatura, teatro e nas artes plásticas, é contornado satisfatoriamente pelo diretor, que mantém o foco no universo rico e pulsante da pintura.

Com visível química no palco, ambos os atores destravam desempenhos apaixonados, até nas pequenas ações, como misturar a tinta, preparar a tela, debater a luz ideal para realçar um quadro. Antonio Fagundes preenche de energia e vitalidade um personagem arrogante, vaidoso e brilhante, que caminha exalando mau humor e agressividade criativa. Seu Rothko é uma figura que cativa mesmo suando reclamações pelos poros e lascando suas obsessivas percepções sobre a vida e a arte. Ele o impregna com a ansiedade de um homem com medo de que o seu lugar no mundo da pintura esteja  por um fio. Bruno Fagundes, intérprete em processo de maturação, aproveita a ainda pouca experiência teatral a favor da composição de Ken, injetando humanidade ao assistente que luta para se tornar um pintor de vida própria. O ator faz o personagem evoluir da condição de aluno curioso para o artista que descobre a sua sensibilidade artística e adquire consciência de seu papel no jogo, chegando a desafiar a visão artística do mestre. Um dos momentos mais veementes é justamente quando ele mede forças com Rothko e defende apaixonadamente a sua forma de ver a arte. O texto de Logan evidencia o embate de duas gerações que brigam pelo significado e o propósito da arte. Escancara o dilema de todo criador que, para sobreviver em um mundo mercantilizado, muitas vezes precisa abdicar do compromisso estético e ideológico para encher o bolso. E põe em cena um artista que, fadado ao declínio, brada contra a irrupção da próxima caravana de artistas, também tão inquieta, provocadora e talentosa quanto ele.   

(Edgar Olimpio de Souza – O endereço de e-mail address está sendo protegido de spambots. Você precisa ativar o JavaScript enabled para vê-lo. )
(Foto João Caldas)

Avaliação: Ótimo

Vermelho

Texto: John Logan

Direção: Jorge Takla

Elenco: Antonio Fagundes e Bruno Fagundes

Estreou: 24/03/2012

Teatro Tuca (Rua Monte Alegre, 1024, Perdizes. Fone: 3670-8455). Sexta e sábado, 21h30; domingo, 18h. Ingresso: R$ 60 a R$ 80. Em cartaz até 04 de dezembro.